domingo, 18 de julio de 2021

The Dark Knight: La dualidad del hombre murciélago

 



Cuando se habla de las tres mejores películas de superhéroes de la historia, las opciones son muy claras. Spider-Man 2 de Sam Raimi está ahí, y Logan de James Mangold es una obligada, pero la otra, aún si los tops son diferentes por persona siempre es El Caballero de la Noche de Christopher Nolan.


¿Pero por qué a 13 años de su estreno sigue liderando el género? ¿Por qué se dice que marcó un antes y un después en el género de las capas?




Pero para entender esto, primero hay que viajar hacia atrás, al lejano 2003, cuando Warner Bros tuvo la idea de tratar de rescatar a Batman de dónde Joel Schumacher lo había dejado en 1997. Tim Burton había hecho un trabajo excelente devolviéndole la credibilidad a Batman en pantalla, pero pleitos con McDonald's hicieron que se hundiera nuevamente en un mar de comedia absurda, lo que enterró la franquicia. Para Warner solo había una opción, y era el británico Christopher Nolan.





Hasta ese momento, la única cinta reconocida del cineasta era Memento, pero era suficiente argumento para entender la seriedad que le imprime a cada proyecto, y la intención era no mostrar tanto al héroe, sino lo que lo había formado y el experimento llamado Batman Inicia fue un éxito, recaudando 374.2 millones de dólares, con lo que la secuela era inminente, pero nadie estaba listo para lo que vendría.




En Abril de 2007 comenzó el rodaje de esta secuela, con la idea de explorar el hecho de que es la presencia del héroe lo que crea el surgimiento de la locura, en palabras de Christopher Nolan:

"Cuando miramos a través de los cómics, apareció esta idea fascinante de que la presencia de Batman en Gótica realmente atrae a los criminales a ella, atrae locura. Cuando se lidia con conceptos cuestionables como gente que haga justicia por mano propia, hay que preguntarse, ¿a dónde lleva eso? Eso es lo que hace al personaje tan oscuro, porque expresa un deseo de venganza."


Christian Bale volvía como Bruce Wayne luego de haber callado a sus críticos en 2005. Morgan Freeman, Gary Oldman y Michael Caine volvían como Lucius Fox, Jim Gordon y Alfred Pennyworth respectivamente, y Maggie Gyllenhaal reemplazaba a Katie Holmes en el rol de Rachel, el único personaje creado para Batman Inicia (Holmes había preferido en su lugar actuar en Mad Money).

Además de ellos, la película incluyó a dos nuevos rostros principales a su elenco, Aaron Eckhart como Harvey Dent y un nombre que se volvería leyenda: Heath Ledger, elegido para interpretar a Joker.




La trama superficialmente es simple, Batman, Gordon y Dent han conseguido bajar la tasa de criminalidad en Ciudad Gótica, pero sus esfuerzos se van a ver superados por un nuevo criminal, un hombre sin métodos definidos, pero que siempre parece estar un paso adelante de todos, un villano conocido como Joker.

Pero más allá de eso, la cinta explota otra perspectiva, la de la dualidad. Todo el tiempo, durante los 153 minutos que dura la cinta seremos testigos de un juego entre la luz y la oscuridad, y eso nos golpea desde el principio, luego de que Joker hace su primer golpe. Harvey Dent nos es presentado como el "Caballero Blanco", un hombre recto y que se guía por la legalidad, en contrario a Batman, quien literalmente es un caballero oscuro cuyos métodos no son del todo aceptados, pero son efectivos.

La dualidad no termina ahí, sino que continúa en la siguiente escena, con el trabajo de Batman entorpecido por un imitador. La idea de que un personaje así exista crea temor en los criminales, pero a la vez está inspirando a la gente a ponerse en riesgo, lo que a su vez dificulta la labor del héroe.




Con el crimen organizándose para esconder su dinero en Hong Kong, Joker aparece y les ofrece matar a Batman asegurandoles que sabe que Lau, responsable de cuidar todo el efectivo no va a durar mucho tiempo libre. Joker y Batman saben qué va a pasar, y mientras uno lo va a usar para su beneficio, el otro lo hará para facilitar los arrestos de la mafia, en una secuencia totalmente filmada en IMAX y con las explosiones en tiempo real, el plan de estos dos personajes se cumple, con Lau de regreso en la ciudad y los criminales aceptando a Joker como su nuevo jefe.

Luego de abordar más en el romance entre Rachel y Harvey y como este afecta a Bruce, el plan de Joker comienza, eliminando a personas seleccionadas sin que Batman pueda hacer algo para salvarlos (Excepto por Dent), y después de amenazar a la ciudad con asesinar gente por cada día que el enmascarado no revele su identidad, después de todo, Batman es un símbolo y no se necesita matarlo, solo reducirlo a un hombre.

Dent decide revelarse a si mismo como el héroe y eso conlleva a una persecución impresionante, para la que Nolan volcó un camión real en las calles de Chicago, el segundo encuentro entre el héroe y el villano termina con el segundo finalmente detenido y con una cámara IMAX destruida por accidente, una de las cuatro que existían en esa época.




Cuando parece que las cosas están mejorando, ¡Sorpresa! Todo es plan de Joker, y Rachel desaparece junto con Harvey, llevando a la escena del interrogatorio, donde héroe y villano se confrontan, así como sus ideologías.




Esta escena no solo sirve para revelar dónde se encuentran los desaparecidos, sino que sirve para exponer otra dualidad: La de dos sujetos que están de lados opuestos pero que no harán nada para eliminar al otro. Batman por su código moral y Joker porque cree que los actos que realiza complementan a los del enmascarado, al estilo de Unbreakable, donde Mr. Glass hace su plan esperando que exista alguien que pruebe que tiene un propósito.

El plan de Joker tiene éxito, Rachel muere y Harvey queda desfigurado, una vez más el hombre del maquillaje volvió a engañar a la ley y logró escapar de prisión para su siguiente golpe, uno que requiere una distracción.




La perdida de Rachel termina por quebrar a Dent, quien finalmente, y empujado por Joker, termina convirtiéndose en Two-Face, representando la dualidad que toda la película nos ha planteado, y tras ocasionar algunas muertes, y luego de que Batman detiene a Joker en una escena increíble y llena de suspenso al poner a los tripulantes de dos barcos a decidir si viven o mueren, llegamos a la conclusión de una cinta que nos ha llevado por la caída de Harvey Dent. El caballero blanco se ha convertido en un villano, y es el caballero oscuro quien debe detenerlo, aún quebrado por perder a la mujer que amaba.




En este punto nos queda claro que el viaje de la cinta nunca se trató de Joker
Él solo fue una pieza clave, que con su sola existencia alteró el juego, llevando a Batman y a Harvey a lo más bajo, haciéndolos perder lo que más querían, a una persona y un símbolo degradados por sus propias acciones al tratar de oponerse a un tercero, y el conflicto final es entre ellos.




Two-Face secuestra a la familia de Gordon, y al salvarla, Bruce descubre después de derrotarlo, que la única forma de hacer valer la ley es aceptando la culpa de todo lo que hizo Dent, convirtiéndose en un criminal.

Al final Joker gana, mató al símbolo, y nos presentó la dualidad final de la cinta: El héroe que salvó el día se llevará toda la culpa y será perseguido, mientras que un asesino será visto como un mártir y será honrado por la ciudad.

Y así Batman se convertirá en algo más grande, en un auténtico caballero de la noche.




The Dark Knight fue un éxito impresionante en 2008. Fue la primera película basada en cómics en superar los mil millones de dólares en taquilla, consiguió ocho nominaciones al Oscar, de las que ganó dos, y es considerada como la mejor película de superhéroes de la historia. Cumplió con darle seriedad a Batman de una forma más impresionante que Batman Inicia y terminó de encumbrar la leyenda de Heath Ledger, quien falleció de una sobredosis en Enero de 2008, en un acto que muchos aseguran que fue a causa de lo que conllevó hacer tan bien a Joker, sin duda la versión definitiva del personaje.




A 13 años de su estreno, The Dark Knight está donde está porque si Superman de 1978 nos hizo creer que un hombre podía volar, lo que Nolan, Bale y Ledger hicieron nos mostró lo crudo que es ser un hombre de ley en este mundo, nos hizo creer que Batman puede ser real y nos aterra al mostrarnos lo cerca que el mundo está de enloquecer, pues la locura es como la gravedad...

... Solo hace falta un pequeño empujón.

martes, 29 de junio de 2021

La Purga por Siempre - Reseña

 


Título original: The Forever Purge

Director: Everardo Gout

País: Estados Unidos

Año: 2020

Fecha de estreno: 1 de Julio de 2021




Imagina un país donde el crimen no existe, uno donde el hambre y la pobreza han sido prácticamente erradicados, suena bien, ¿No?


Ahora imagina que el único costo para lograr esto fuera que por una noche al año absolutamente todo fuera legal, incluyendo el asesinato. Supongo que no parece tan buena idea después de todo, ¿No lo creen?


Hay franquicias que comienzan con una película buena y se caen totalmente, hay otras que empiezan con una mala y mejoran, otras donde empiezan con una buena y se mantienen ahí, y después está la franquicia de The Purge, cuatro peliculas donde ni una sola es buena, todas las cintas se pierden en lo que tratan de decir en favor de los trajes vistosos y totalmente imprácticos en una noche de crimen, y lo que es peor, cintas que asumen que absolutamente todos los que salen van a matar, como si no hubiera más que hacer, y al día siguiente todos vuelven en paz. Literalmente 12 horas sin consecuencias.



Y entonces llega Everardo Gout a la mezcla. Luego de haber visto la Purga desde el punto de vista de una familia en The Purge, ver una ciudad reaccionando a este "festejo" en The Purge: Anarchy, la reacción del gobierno y la oposición a este en The Purge: Election Year y el inicio de esta como una actividad meramente racial en The First Purge, llega la quinta entrega, apropiadamente llamada The Forever Purge.


¿Pero cómo seguir luego de que en la tercera cinta dicha actividad fue cancelada?


Esta nueva cinta ocurre tiempo después de la tercera. De alguna forma que no se molestan en contarnos, los Nuevos Padres Fundadores de América volvieron al poder, y su primer decreto fue reinstaurar la depuración anual, la gente está dispuesta a seguir con la tradición y se nos ubica a unas horas del inicio.




Juan (Tenoch Huerta)  y Adela (Ana de la Reguera) son una pareja de migrantes que llegaron a Estados Unidos diez meses antes de la purga, y en el presente siguen acostumbrándose a su nuevo entorno, con ambos escalando posiciones en sus respectivos trabajos pese al fuerte racismo presente en Texas. La noche llega y debido a que serían de los primeros en ser asesinados, los inmigrantes se esconden durante la festividad. La mañana llega y finalmente pueden ser libres... O eso parece.


La tranquilidad post-purga se acaba ese mismo día, ya que un grupo extremista aparece, y empeñados en limpiar de una vez por todas a Estados Unidos, anuncian que la depuración continuará por siempre. Es entonces que Juan, Adela, un amigo suyo llamado T.T, y un compañero de trabajo del primero junto con su familia deberán recorrer la ciudad que está hundida en el caos, con el fin de llegar a México, que ha decidido abrir sus fronteras por unas horas para cualquier persona que desee huir de la violencia.




De entrada hablemos de la fotografía. Por fin hay una cinta que decide explotar al máximo la idea de una ciudad cayendo ante la locura, además de aprovechar los paisajes desérticos y los pueblos pequeños, las tomas amplias ayudan a dimensionar la gravedad del asunto y nos dan postales que son a la vez hermosas y aterradoras.


Las actuaciones son lo buenas que pueden llegar a ser en esta franquicia, con Tenoch Huerta demostrando porque lo siguen contratando en producciones de este calibre y con Ana de la Reguera robándose la cinta, haciendo comentarios sobre la situación en México y con un trasfondo que se siente real detrás del porqué tuvieron que migrar. El cast de apoyo funciona muy bien, principalmente Alejandro Edda como T.T y Josh Lucas como Dylan, el compañero de Juan que busca poner a salvo a su familia, mientras expone las diferencias entre mexicanos y estadounidenses.



Con una banda sonora tensa, y un ambiente que cada vez se va cerrando más, estamos hablando de la película más intensa de toda la saga, la violencia que vemos, y esa de la que solo nos enteramos por los noticieros y la radio se unen para hacer ver a la audiencia que no, definitivamente hay cosas que no debieron pasar, y todas están estallando a la vez.




El guión es otro tema, y es que al anunciarse que esta película no iba a seguir la regla de que todo es legal por 12 horas, fui escéptico al respecto, ya que ¿Cómo puede funcionar una cinta de esta saga si le quitas lo único que la hacía diferente al resto? Fuera de los trajes estrafalarios y las máscaras, siempre estaba la certeza de que al final de la noche una sirena anunciaría el fin de todo.


Y a pesar de esto, y de tener la gran mayoría de las falencias de sus predecesoras (Escenas imposibles, trajes absurdos, clichés de todo tipo y jumpscares como la máxima regla de su ejecución), esta nueva entrega sabe contar lo que quiere. Aquí no solo hablamos de la escalada de violencia, o de las condiciones discriminatorias para los migrantes, no solo se muestra lo fácil que se consigue un arma en el vecino del norte, sino que las cuenta todas en diferentes grados y hay un tema bastante importante que ninguna otra cinta abordó.


Hay una escena bastante simbólica que representa el mensaje de la película y está casi al inicio, donde vemos a la gente volver a las calles mientras un coyote se alimenta y un equipo especialista limpia las calles. La Purga por Siempre trata de consecuencias.


Por años la saga nos hizo ver qué soltar la violencia por una noche era la respuesta, la clave a los problemas del país, de ahí que muchos fans de la franquicia pensaran que es buena idea implementarla (Asumiendo que realmente lograran sobrevivir a algo así), todo por culpa de una historia que siempre decía lo mismo.


Y no es así, los ciclos de violencia no se pueden detener avivandolos, la violencia solo engendra más violencia, y aunque el viaje de Juan y Adela no es perfecto, a pesar de cometer los errores de las cintas que la preceden, finalmente nos lo dice. Toda acción tiene consecuencias, y cuando la cinta cierra, será el único mensaje que sobreviva. Tal vez el único mensaje que vale la pena de las cinco peliculas de esta saga.




Después de cuatro peliculas que nos contaron básicamente lo mismo, esta quinta entrega se toma la molestia de hablarnos en otro tono, y sobre algo importante. No es una película perfecta, pero es en definitiva la mejor de su saga, en parte gracias a la dirección y protagonistas, y principalmente gracias a su mensaje.


Calificación: 7.5/10

jueves, 29 de abril de 2021

Nadie - Reseña

 



Título original: Nobody
Director: Illya Naishuller
País: Estados Unidos
Año: 2020
Estreno en México: 29 de Abril de 2021


Hay un recurso actual en el cine de acción que se ha usado tanto últimamente que ya luce como un subgénero por si mismo. Hablo de ese donde el protagonista es un hombre retirado que vive una vida normal hasta que algo ocurre y vuelve a la acción, y es ahí donde descubrimos que este sujeto era una máquina de matar y los desgraciados que se metieron con él están a punto de sufrir las consecuencias.




El mayor exponente de esto es sin duda John Wick, un hombre que en 2014 mató a 86 personas porque una le robó el auto y mató a su perro. El camino se llenó de oportunidades para los hombres que hicieron posible la película, y fue así como David Leitch (Codirector) llegó a dirigir Atomic Blonde y Deadpool 2 y Derek Kolstad (Guionista) dirigió dos episodios de la recién terminada Falcon y el Soldado del Invierno, además de escribir un nuevo filme, que es lo que nos reúne aquí.





Nadie es la nueva cinta de Illya Naishuller, director de Hardcore Henry y nos pone desde el principio en una semana típica para Hutch Mansell, un hombre de familia que vive hundido en la rutina, lo vemos durante dos semanas donde no deja de hacer lo mismo, y todo cambia cuando una noche una pareja se mete a robar a su casa y él, a pesar de tener la oportunidad de someterlos, no lo hace, lo que poco a poco comienza a quitarle la confianza que su hijo tenía en él y lo va distanciando más de su esposa. Hasta que tratando de resolver algo de esa noche termina en una aventura donde tendrá que defenderse con todo lo que pueda mientras descubrimos su pasado oculto.




Como ya mencioné arriba, la trama suena a algo ya visto, pero tiene muchos puntos que la distinguen, y el primero es obviamente su protagonista, ni más ni menos que Bob Odenkirk, a quien conocemos mejor como Saul Goodman en Breaking Bad y Better Call Saul. Si necesitaramos una diferencia notable entre esta cinta y otras similares, es que su protagonista no es quien pensaríamos ver al frente de una cinta de acción como esta, y Bob se encarga de que la cinta no se sienta igual.




Si esperas secuencias de acción al estilo John Wick o Atomic Blonde, las vas a encontrar aquí y con un agregado que mejora bastante la experiencia: A diferencia de las cintas mencionadas arriba, aquí verás a Hutch recibir golpes, lo verás arrastrándose, siendo apuñalado, pasará varios momentos con la cara totalmente ensangrentada (Y no como John Wick que solo tiene las manchas en la cara), ese nivel de brutalidad sirve para que no veas al protagonista como alguien indestructible.




Al otro lado de la moneda se encuentra Yulian, un criminal ruso que dirige una organización criminal y almacena todo el dinero de esta, es un hombre decidido a lo que sea y podría ser un gran villano si su desarrollo no pareciera desvanecerse mientras la trama avanza, poco a poco va perdiendo más esa impresión de amenaza, y aunque la recupera al final, termina pareciendo un villano genérico más. Eso sí, el carisma de Aleksei Serebryakov sirve de mucho y te divierte verlo cantar mientras la acción se desarrolla.




Mientras el reparto se mantiene en un buen punto con Connie Nielsen cómo la esposa de Hutch o RZA como su cuñado, hay un nombre que vale la pena mencionar, y es el gran Christopher Lloyd. El Doc Brown aparece nuevamente en pantalla, esta vez como el padre de Hutch, un expolicía que descansa en un asilo de ancianos, un aliado para nuestro héroe porque él sabe la verdad sobre él.




Más allá de los puntos actorales, la cinta está coreografiada de maravilla, con la cámara moviéndose frenéticamente alrededor de la acción, y la música alterna entre una banda sonora original compuesta por David Buckley (También compositor de The Nice Guys y Jason Bourne) y una serie de canciones de distintas épocas de dónde destacan Don't Let me be Misunderstood de Nina Simone o What a Wonderful World de Louis Armstrong que funcionan perfectamente con cada momento de la historia.




Y si hay algo que destacar por encima de toda la sangre (Que hay demasiada) y los efectos especiales, es su guión, que logra desprenderse de lo ya visto por la carga de humor que maneja, chistes bastante efectivos, mucha ironía y humor negro que llega en momentos inesperados y sirven para relajarte entre toda la masacre que desata Hutch sobre sus adversarios. Nadie es una película distinta porque se toma el tiempo para jugar consigo misma sin perder la seriedad y el peligro en ningún momento, y eso vale la pena destacarlo.




A pesar de que el género de acción está por demás saturado de cintas como esta, el humor de Bob Odenkirk logra crear algo que se siente distinto, y las escenas de acción son tan violentas y bien filmadas que simplemente no querrás que se acabe, a pesar de sus pequeños detalles en cuanto a los personajes secundarios, es una cinta para la que nadie está preparado.

Calificación: 8.5/10


miércoles, 14 de abril de 2021

#ElCecehachero5 - Recomendaciones de Cortometrajes (Programa 1)

 



Después de su suspensión el año pasado, el Festival Internacional de Cine del CCH de la UNAM presenta su quinta edición a partir del día de hoy y hasta el sábado 17, en estos días estarán disponibles cuatro diferentes programas de cortometrajes de las diferentes selecciones del festival a través del Facebook live de la página del festival y la de Rizomarte, aliado español del evento.

A lo largo de estos días les presentaré pequeñas reseñas de estos cortometrajes, para que vayan fijando sus recordatorios esta noche y se preparen para una noche de grandes historias en corto.

Agradecemos al festival por permitirnos ver de forma anticipada las selecciones del Festival.

La primera programación se presentará esta noche a partir de las 22:00 (Hora CDMX) y será presentada por Brandon Ibarra (Director del festival) y Adriana Collado (Directora de comunicaciones) y está conformada por los siguientes cortometrajes:




VENTANAS (Dir. Axel Rodríguez)

Una historia sobre un par de niños, enfocada en la pequeña protagonista. A lo largo de ocho minutos vemos escenas que parecen no tener una conexión, pero mientras las escenas y el sonido se van alterando a algo más extraño, mientras la toma va oscureciendose, nos damos cuenta de que el mensaje que nos quiere dar el director es algo totalmente diferente a lo que pensábamos.

Una gran historia con un giro totalmente inesperado, con una edición que se vuelve más perturbadora mientras avanza y con un final que te deja reflexionando.






ESCLAVIZADOS (Dir. Daniel Reascos)

Mi propuesta favorita del día de hoy es este cortometraje ecuatoriano, una crítica a cómo nos abstraemos en la tecnología, a cómo dejamos que los medios nos digan lo que es bueno y lo que no.

Filmado en una especie de stop-motion con actores reales, una técnica bastante agradable de ver, una historia que no necesita palabras para llegarte y un final inesperado, pudiendo terminarlo con un final típico, el director decide estirar la historia un par de minutos más para un cierre bastante interesante y que te deja un mensaje bastante oscuro, sin duda mi cortometraje favorito de hoy.





UN AÑO SIN PRIMAVERA (Dir. Evelyn Muñóz)

Este corto de casi ocho minutos nos habla desde la perspectiva de su directora, sus estadías en Chile, Bolivia y México enmarcadas por las protestas feministas de estos países, y las reflexiones a las que llega por medio de estas.

Una música hermosa y una voz que complementa perfectamente las imágenes hace que este cortometraje se pase más rápido y es tan ameno que no quieres que llegue a su fin.





HIERBA MALA (Dir. Carlos Trujano)

Este cortometraje de menos de 20 minutos ya tuvo su oportunidad en el Festival Internacional de Cine de Morelia en 2019, donde se hizo con el primer lugar de la categoría de Cortometraje Mexicano.

Un relato sobre la venganza, pero sin perder la mística mexicana de buscar a nuestros parientes fallecidos, todo enmarcado en un ambiente sobrenatural que lo vuelve imperdible en la gala de esta noche.





TU VESTIDO ROSA (Dir. Cristo Fernández)

Una conversación sobre nervios previos a una cita se convierte en un momento de apertura entre una madre y su hija, una plática sobre aceptarte, que parece girar en ambas direcciones y todo en solo cinco minutos, una historia que vale la pena por su mensaje.

Estos son algunos de los cortometrajes de esta noche, estarán acompañados de Las Flores que Arrancas y Salvó el Crepúsculo (De la selección temática), también muy recomendables, espero los disfruten mucho, los invitamos a comentar acá abajo sus impresiones.




¡Bienvenidos a #elcecehachero5!


domingo, 13 de diciembre de 2020

Los Croods 2: Una Nueva Era - Reseña



Título original: The Croods: A New Age

Director: Joel Crawford

País: Estados Unidos

Año: 2020

Estreno en México: 10 de Diciembre


En 2013 Dreamworks nos presentó a la familia Crood, un grupo de cavernícolas que buscaban lo mejor para ellos y como enfrentaban el primer amor de Eep, la hija "rebelde". También conocimos al joven Guy, quien robaba el corazón de la chica y resultó ser más inteligente que ellos, pero nunca supimos realmente de dónde venía más allá del trágico destino de su familia... Al menos hasta ahora.



Siete años después, y ya con Universal como dueña de Dreamworks los Croods regresan a la gran pantalla con una nueva aventura que los lleva a enfrentar la evolución y lo que hay más allá de nosotros, nuestras diferencias entre humanos y a aceptar que las cosas eventualmente van a cambiar.


Grug y su familia deben buscar un nuevo hogar, y eventualmente llegan a un muro, tras el cual se esconde el hogar de la familia Betterman (Siemprebien en el doblaje latino) y lo que podría ser el inicio de una amistad se convierte en una rivalidad causada por los celos de Grug tanto ala nueva familia como al hecho de que su hija puede independizarse en cualquier momento, y a los temores del señor Betterman al exterior y lo que hay detrás de su refugio. Mientras tanto seremos testigos de problemas en la relación de Eep y Guy, así como conoceremos como vive esta nueva familia, si serán capaces de convivir juntos y qué pasará con nuestros protagonistas más jóvenes nos espera al final de la cinta, y si hay un punto negativo para empezar a analizar la cinta es el hecho de que es predecible, sabes cómo terminará y eso en un principio podría parecer malo, pero el fuerte de esta aventura no es el final, sino el cómo se llega a el.



De entrada esta cinta se enfrenta al hecho de que tiene una premisa muy conocida, y se nota que los guionistas estaban conscientes de esto y se esforzaron por dar un viaje que valiera la pena, y por supuesto que lo lograron. Si bien la cinta original era buena y presentaba una paleta de colores muy llamativa, esta secuela la supera en cuanto a colores y diseños, desde las criaturas nuevas hasta el entorno de los Betterman.


La música corre a cargo de Mark Mothersbaugh, a diferencia de la anterior, y si bien se extraña la música de Alan Silvestri, el trabajo de Mark es bueno y complementa bien esta aventura y la animación es hermosa, sin embargo hay algo más que vale la pena destacar.



Al final de esta aventura tenemos muchos mensajes, colaboración, aceptación y comprensión son algunos de ellos, pero detrás de todo se esconde un mensaje ecológico, y uno sobre unidad, y son estos con los que quiero quedarme, uno es porque te deja pensando en como hemos descuidado los recursos a nuestro alrededor y el otro es sobre permanecer juntos en medio de los problemas, tal como lo estamos ahora en pandemia, si hay un mensaje que queda acordé a nuestros días, es el de la familia Crood que, a pesar de que siguen buscando un lugar donde ser felices, lo hace juntos, y mientras sigan unidos ningún desastre, animales en manada o familias modernas los podrán separar.



Conclusión: En el cine no es tan común la regla de que las segundas partes no son buenas, y esta segunda entrega de Los Croods es la prueba. Divertida, colorida y con un fuerte mensaje de aceptación y hasta de conservación ambiental, la familia de las cavernas mejora por mucho lo que nos presentó hace siete años.


Calificación: 8.5/10

Freaky: Este Cuerpo Está Para Matar - Reseña


Título original: Freaky

Director: Christopher B. Landon
País: Estados Unidos
Año: 2020
Estreno en México: 12 de Noviembre de 2020


Christopher B. Landon es un hombre conocido por su forma de hacer terror, hace algunos años llegó a la escena con Feliz Día de tu Muerte, una cinta que combinaba Groundhog Day con el género slasher, la cinta fue del agrado de muchos (Personalmente no es mi caso) y era obvio que la taquilla favoreció al cineasta, quien llegó hace unas semanas a la cartelera nuevamente con una cinta que ahora mezcla el terror con una comedia sobre cambio de cuerpos.

Freaky es la historia de Millie (Kathryn Newton), una chica tímida que por azares del destino se cruza en el camino sangriento del "Carnicero" Blissfield (Vince Vaughn) y accidentalmente cambian de cuerpo gracias a una daga mágica. Ahora Millie debe detener a Blissfield antes de que el cambio sea permanente, mientras el asesino descubre que su nuevo cuerpo es una hoja en blanco donde puede hacer lo que quiera.




Primero que nada hay que aclarar que la cinta no pretende tomarse en serio, Blumhouse la presenta como una comedia de horror y funciona de forma excelente para ese género, sin olvidar la sangre y las muertes, que se ven increíbles en pantalla. La fotografía es muy buena y realmente resalta los momentos más violentos, para los estándares del slasher esta película es brillante y tiene el humor necesario para convertirse en una montaña rusa de emociones, pasarás de estar aterrado a reírte de un momento a otro.




En la música está Bear McCreary, colaborador de Landon en las dos cintas de Feliz Día de tu Muerte y encargado de la banda sonora de Child's Play, el hombre nos demuestra porque es uno de los nombres a seguir en el cine de terror, ya que sus temas ayudan a mantener la tensión en la cinta cuando debe, la aligeran cuando es necesario y no hay una sola nota que desentone con lo que la cinta nos cuenta.

Sin embargo lo que hace a Freaky tan buena es su dúo protagonista. Kathryn Newton (Estrella de The Society de Netflix) es toda una revelación para el género slasher, puede aterrarte con la mirada o enternecerte en segundos, y verla hacer dos papeles tan distintos uno del otro ya demuestra que está chica (Que ya ha trabajado en cine de terror) tiene un futuro enorme como actriz, y sin duda hay que seguirla de cerca.




Por otro lado está Vince Vaughn dándonos su mejor papel en mucho tiempo, verlo interpretar a una adolescente tímida, aterrada y confundida es impresionante, sin duda mejor que lo que hizo Jack Black en la secuela de Jumanji y por supuesto que estamos encantados de ver a este hombre saliendo de su zona de confort, si bien es muy bueno como antagonista de la cinta al principio, es el héroe/heroína que nos da la sorpresa con su interpretación.




Al final del día Freaky no es una cinta innovadora, no es algo que vayamos a recordar en la historia, y ciertamente (Salvo por la madre de Millie) dudo que vayamos a recordar a los personajes secundarios más allá de las escenas donde mueren, pero a pesar de todo es una excelente comedia de terror, una alternativa fresca para el género de terror que insisto, ya está en un punto donde casi todo sigue una fórmula predecible.

Christopher B. Landon va subiendo poco a poco, aún es muy pronto para tomarlo como un referente del terror, pero sin duda algo tiene a su favor, y es que puede tomar el concepto que él quiera y volverlo una experiencia increíble, y créanme, no esperaba escribir esto de una cinta que es básicamente Un Viernes de Locos mezclada con Halloween

Conclusión: Con una Kathryn Newton excelente, la mejor actuación de Vince Vaughn en mucho tiempo y un guión muy bueno, Freaky es la prueba de que el terror y la comedia siguen siendo una combinación excelente. Una cinta muy divertida y sangrienta que vale cada centavo del boleto.

Calificación: 9/10


martes, 25 de agosto de 2020

SUPERMAN: MAN OF TOMORROW - EL INICIO DE UNA NUEVA ERA


En mayo de este año se estrenó Justice League Dark: Apokolips War, cinta animada que cerraba lo que se conoció como el DC Animated Movie Univers (o DCAMU): un conjunto de 14 películas interrelacionadas que eran parte de una misma continuidad, similar a las películas live-action del MCU.

El final de dicha película era bastante deprimente, pues mostraba a unos héroes que a pesar de haber ganado la batalla, habían quedado lastimados más allá de la recuperación, se perdieron muchas vidas y prácticamente el planeta tierra estaba condenado. Por lo que Flash corrió hacia atrás en el tiempo para deshacer ese Universo, y volver a empezar.

Es así que unos meses más tarde vería la luz la película que se esperaba marcaría el inicio de la nueva etapa de las películas animadas de DC: Superman: Man of Tomorrow, cinta que se estrenó el pasado 23 de agosto de 2020 de manera digital y que estará disponible en DVD y Blu-Ray el 08 de septiembre.

Como su nombre lo indica esta cinta tiene como protagonista a Superman, pero a través de un lente que se siente distinto y fresco. Para empezar, algo que se agradece bastante es que no vemos nuevamente el origen de Superman en el sentido de que nos brincamos todo el rollo de la destrucción de Kriptón y la llegada del bebé Kal-El a la Tierra, y prácticamente toda su infancia. Sólo hay al inicio una pequeña secuencia donde vemos al joven Clark Kent inseguro, con dudas de su lugar en la Tierra, la cual a pesar de su brevedad sirve para establecer la personalidad y motivaciones del personaje.

Para cuando pasamos a la siguiente escena, Clark ya es un joven becario en el Daily Planet, tratando de abrirse paso en el mundo del periodismo. También nos enteramos de que ya ha estado llevando a cabo acciones heroicas de manera anónima en la ciudad de Metrópolis. Pero todavía no usa el traje, y aunque sabe que no es de este planeta, ni idea tiene de que es kriptoniano. Y este es en realidad el punto de partida para la primera gran aventura de Superman.

Como dije, no vemos el "origen" de Kal-El, pero sí que somos testigos del origen de Superman. Un viaje de 80 minutos aproximadamente (descontando la parte de la niñez) en el que vemos la transición de un joven inseguro por saberse extraterrestre y temeroso de que la gente no lo vaya a aceptar por esa misma razón, a un héroe que apela a los mejores sentimientos de la gente y los inspira a tratar de ser la mejor versión de sí mismos.

A pesar de ser una película de animación se toma el tiempo de tocar fibras relevantes para la época actual: el miedo a lo desconocido es una característica inherente a la raza humana y muchas veces nos hacen actuar de formas equivocadas, derivando en la xenofobia o el racismo. Y esto es a lo que le teme Clark: a revelar su origen extraterrestre y ser rechazado por la sociedad. Es el eje central de la cinta y lo que lo mueve, trata de hacer lo correcto pero también espera que la gente de la Tierra lo acepte como es, y trata de actuar para demostrar que se puede confiar en él.

En cuanto a los personajes de soporte humanos tenemos un nuevo Lex Luthor, una nueva Lois Lane, un nuevo Perry White, Pa y Ma Kent, quienes sí se sienten distintos a las versiones que conocimos durante la etapa anterior del DCAMU, pero a la vez conservan características familiares a los personajes que conocemos de los cómics o de otras encarnaciones. Asimismo aparecen Martian Manhunter, Lobo y a Parasite, quien funge como el villano principal de esta cinta. Hablando de este último, normalmente es tratado en la galería de villanos de Superman como un segundón, un villano de poca monta, pero esta es una de las ocasiones en que se demuestra que no hay villano malo o patético, todo depende de los escritores y del uso que le quieran dar, y aquí este villano además de altamente peligroso y casi incontrolable, es también uno muy trágico.

El reparto de voces es fenomenal, Alexandra Daddario (Why Women Kill, When We First Met) dota a Lois Lane de una fuerte combinación de intensidad periodística, profesionalismo, seguridad y cinismo. Pero en definitiva quienes se más destacan en mi opinión son Zachary Quinto (NOS4A2, Star Trek) como un astuto y calculador Lex Luthor y Ryan Hurst (Bosch, Sons of Anarchy) como el carismático y rudísimo Lobo. Darren Criss (The Assassination of Gianni Versace, Glee) hace también un buen trabajo como Clark Kent / Superman, dotándolo de la mezcla exacta de ingenuidad, inexperiencia y vulnerabilidad, así como optimismo, entusiasmo y energía juvenil. Me deja con muchas ganas de ver cómo se desarrolla como Superman y se convierte en el gran líder moral de la Liga de la Justicia en futuras secuelas (si es que las hay).

La animación es hermosa, y francamente muy superior a lo que se hizo en toda la etapa del DCAMU. De primera impresión parece simple, pero verla en movimiento es otra cosa, y es increíblemente detallada, con colores vivos y brillantes de verdad parecería que de los cómics salta a la pantalla. Esto se refuerza más con las secuencias de acción, las cuales son por mucho las más limpias y fluidas que he visto en mucho tiempo (en películas animadas de DC, al menos), destacando la pelea contra Lobo, y ver al Parásito en acción es una delicia. Asimismo, me encanta cómo se ve Metrópolis, con una arquitectura futurística y de alta tecnología, bastante parecida a la utilizada en Superman: The Animated Series.

Si algo le tengo que criticar a esta película es sin duda el soundtrack, que pasa totalmente sin pena ni gloria, no hay ningún tema que se me haya quedado pegado, y de hecho creo que todo el tiempo durante los 90 minutos de la cinta suena el mismo tipo de ritmo tenso, lo cual en muchas ocasiones no refleja lo que está sucediendo en pantalla, por ejemplo en la pelea contra Lobo, todo el tiempo la música es suena como tensión la cual para entonces ya es monótona, todo el tiempo el mismo ritmo, no hay cambios de intensidad que despierten emoción en el espectador. Realmente es algo de lo que estoy decepcionado, ya que la música es lo que realmente le da vida a una escena, y la conexión que puedas tener con ella bien puede depender de ella. 

Y otro punto en contra es de lo que adolecen siempre las cintas animadas: la corta duración, la cual no le hace ningún favor a la historia. Si bien el guionista  Tim Sheridan hace lo mejor que puede con los 90 minutos que se le dan, a ratos se siente "mocha", y definitivamente se habría beneficiado con otros 15 o 20 minutos más. Dentro de eso, otro punto negativo que le encuentro es que no siento que en términos de historia se arriesgue. Aunque es una historia original y eso se agradece, los creativos decidieron jugar a la segura y el final es bastante cliché.

Al final nos encontramos con una buena producción de Warner Bros. Animation, la cual es bastante entretenida, llena de corazón y cumple sin llegar a ser espectacular o revolucionaria, pero es un buen paso hacia adelante, que deja con ganas de más. 

Veredicto 8/10


Colofón:

Y la pregunta del millón ¿es esto el Rebirth animado? Vamos a un poco de contexto para los que no estén enterados. Cuando se anunció que Apokolips War sería la cinta que daría fin al DCAMU y se vieron las primeras imágenes de esta película, hubo mucha especulación de que así como el DCAMU tomó como inspiración la etapa "New 52" de los cómics, esta nueva cinta sería el reinicio del DCAMU pero ahora tomando como inspiración la etapa "Rebirth". 

Sin embargo todo indica que no será así. Si bien sí se podría hacer un "universo compartido" a partir de esta cinta, no pareciera ser que es la intención explícita de Warner. Sí, hay una que otra semilla por aquí y por allá (de pasada se menciona un personaje que resulta ser la inspiración para el traje de Superman, por ejemplo), y deja espacio para secuelas establecidas en este universo, pero por el momento es una película independiente, no hay, por ejemplo, una escena al final de los créditos que te invite a ver la siguiente entrega, como sí las hubo en la gran mayoría de las películas del DCAMU. Así que, por el momento, mi teoría acerca del mensaje metaficticio al final de Apokolips War es correcta: "intentarlo de nuevo" significa "ok, tratamos de hacer un universo compartido, pero no nos funcionó como esperábamos y es hora de volver a las raíces: hacer películas independientes donde le pongamos más énfasis a la calidad de animación e historias, cada una con su estilo y demos libertad creativa para hacerlo". 

Esto se refuerza más al darse a conocer la pizarra de las futuras películas animadas de DC que verán la luz en 2021: 

Batman: Soul of the Dragon, donde la premisa es que Batman se reúne con sus ex-compañeros de entrenamiento (de la época cuando Bruce estaba viajando por el mundo antes de convertirse en el Hombre Murciélago) a fin de enfrentar a un enemigo de su pasado.

Justice Society: World War II,  de la cual no se sabe la premisa, pero por el título se puede intuir.

Batman: The Long Halloween, una adaptación en dos partes de la galardonada novela gráfica escrita por Jeph Loeb y dibujada por Tim Sale.

Ninguna de estas cintas estará ambientada en el mismo escenario que Man of Tomorrow.

Así que no, MoT no es el Rebirth del DCAMU, pero sí es un renacimiento o el inicio de una nueva era en las cintas animadas de DC Comics.