Lng/SHT se desrretira por una noche: Así se vivió la conferencia de prensa

 

En la escena musical independiente mexicana hemos tenido grandes exponentes a lo largo de los años, pero si hay un nombre sobresaliente en los últimos años, ese sin duda es LNG/SHT. El mexicano tuvo años de enorme popularidad antes de desaparecer de la escena en Enero de 2025, dejando un vacío en la industria.

Pero nada es para siempre y LNG/SHT está a punto de volver con su música una noche más, que curiosamente también servirá para que el intérprete celebre su cumpleaños número 40.

Este show, llamado de forma muy conveniente Desrretirado por una Noche servirá para reconectar al público con sus temas favoritos del artista, así como canciones de su nuevo álbum Crisis/Fatiga/Ansiedad/Armageddon, cuyo sencillo más reciente, Plática de Hormigas fue lanzado el día de ayer e incluye la colaboración de José Madero.

"Contrario a lo que dicen los haters no volvemos porque nos quedamos sin dinero... Si nos quedamos sin dinero, pero no volvemos por eso", mencionó entre risas Gastón Espinosa (Nombre real de Lng/SHT), para posteriormente afirmar que el motivo para regresar es porque "Nos quedamos ardidos por nunca haber hecho el Pepsi Center y vamos a intentar soldoutearlo". Mencionó además que está en contra de presentarse en un recinto si antes no llenó otro, quedándose en ese hasta llenarlo y así poder avanzar al siguiente.

El concierto llega justo a tiempo para poder promocionar el nuevo álbum de Lng/SHT, Crisis/Fatiga/Ansiedad/Armageddon, en el cual el artista busca hablar del mundo en que vive ahora, caracterizado por el ascenso de la ultraderecha (Cosa que dice repudiar) y el auge de la inteligencia artificial generativa, a la cual se refirió como "La IA es como la metáfora del martillo, sirve para construir una casa o para matar a alguien".

El concierto servirá para celebrar el cumpleaños número 40 de Gastón, quien menciona que es un número importante porque considera que siempre hay que celebrar los principios y los finales de década. Asimismo aseguró que este es el último cumpleaños que quiere celebrar en el escenario.

Sobre su proceso creativo, el artista mencionó que no escribe canciones para la gente, sino para sí mismo, para cantar las cosas que él vive y eso le ha permitido conectar con la audiencia. "Si tú escribes lo más específico posible tu alcance se vuelve global porque todos vivimos lo mismo", agregó. En sus palabras, cada persona encuentra lo que quiere en el arte, y esa es la razón por la que sus canciones han logrado mantenerse relevantes.

Cuestionado sobre sus momentos favoritos de su carrera, menciona que su mayor orgullo es el poder convivir como amigos con artistas a quienes admira, así como llenar recintos en los que hubiera considerado imposible presentarse siquiera, agregando que no solo se refiere a recintos en México, "Fuimos a Argentina y nos conocían, eso fue surreal".

Finalmente, al preguntársele sobre si este show puede ser el primero en una gira de regreso definitivo, Lng/SHT mencionó que no lo cree, pero no está cerrado a regresar en el futuro si es que tiene algo interesante que presentar, en sus palabras: "Si no creo que tengo algo que compartir, mejor no regreso".

De esta forma, Lng/SHT cerró la conferencia no pidiendo a los fans que vayan al concierto, sino esperando reencontrarse con ellos en el futuro, cosa que podrán hacer su van a ver a este gran exponente a su show Desrretirado por una Noche, el cuál se llevará a cabo el 30 de Octubre en el Pepsi Center de la CDMX. Las entradas ya están disponibles en Ticketmaster y ya pueden seguir a la agrupación en Facebook e Instagram para más actualizaciones de dónde poder disfrutar de su música. 

Y ya que están en Facebook no olviden seguirnos a nosotros para no perderte nada de nuestro contenido.

Nunca Jamás en el Lunario: Así se vivió la conferencia de prensa

 

El término "agropecuario" se ha visto tergiversado con el paso del tiempo y actualmente se utiliza como un insulto común. Este se ha aplicado de forma constante al género regional mexicano como una forma de dar a entender que es un estilo musical inferior a otros, por lo que es importante reivindicar la presencia de un género que va ligado a la identidad de los mexicanos en el norte del país.

Y la próxima semana el grupo Nunca Jamás llegará a la Ciudad de México a darnos ese tipo de reivindicación a través de lo que ellos llaman "rock agropecuario", una mezcla surreal entre el regional mexicano y el rock. Puede leerse raro, pero denle una oportunidad a su música y verán que el experimento funciona a la perfección. "Se nos hace muy aburrida la idea de encasillar la vida en estereotipos" mencionan respecto a como lo agropecuario se ha utilizado para ofender, negando la relevancia que el trabajo de la tierra ha tenido para la identidad mexicana a lo largo de la historia.

"Nunca Jamás es un curso de introducción al noroeste", menciona Omar, líder de la banda al respecto del origen de su estilo. Oriundos de Ciudad Obregón, Sonora, la agrupación habló sobre la experiencia de vivir en un lugar con menos de cien años de historia. Siempre agradecidos con sus familias y los lugares que les son familiares, afirman que su lugar de nacimiento influye mucho en su trabajo, y tendrá un impacto muy especial en el concierto que ofrecerán el próximo sábado. En este sentido, el show será totalmente nuevo con canciones nuevas y algunas que no solían tocar, además estará acompañado por un cortometraje animado que representa las experiencias de vivir en Ciudad Obregón.

Estás canciones nuevas son parte central del concierto, el cual llega en un momento muy adecuado, pues la agrupación está a solo unos días de lanzar Las Malqueridas, su nuevo álbum, que estará disponible en plataformas digitales este jueves 6 de Agosto. Respecto a su composición, la banda afirmó que cada vez que componen un álbum hacen más canciones de las que llegan al trabajo final, por tanto se ven en la necesidad de "recortar" aquellas que no combinan con la estética general del trabajo discográfico. Las Malqueridas está compuesto por algunas de esas canciones descartadas. "Combinen o no", mencionaron entre risas.

El concierto forma parte de su gira llamada El Viejo Terruño, misma que los ha llevado por la República Mexicana y ya los tiene en conversaciones para llegar a Estados Unidos. El Viejo Terruño busca retratar esa familiaridad con el lugar del que vienes, mismo que desaparece con el tiempo. Habla sobre volver a casa, en el caso de la banda al territorio del Valle del Yaqui. Mencionan que tras haber crecido toda su vida en Ciudad Obregón han visto como todo a su alrededor cambia, como el lugar cada vez se siente menos reconocible. "Si vives suficiente tiempo en el lugar donde naciste, eventualmente desaparece", sentencian al respecto.

Respecto a que se puede esperar como novedad en el show mencionan que el compromiso de Nunca Jamás es hacer que cada concepto sea nuevo en sus shows. "Cada noche es una sorpresa porque padecemos de déficit de atención todos y nos complicamos la vida". Aseguran que intentarán contactar a algunos invitados, pero la vida y las agendas de sus posibles opciones podrían no coordinarse, sin embargo no niegan la posibilidad incluso de subir a alguien del público a cantar con ellos.

Como previa al concierto, se presentarán dis bandas invitadas. La presencia de El Pony Express y Pinacate como grupos invitados funciona como un contraste que complementa la experiencia del show. La banda mencionó que el público de la CDMX es muy abierto a la variedad de sonidos que existen en la escena mexicana, por lo que estás dos propuestas adicionales, una más psicodélica y la otra más pop no se sentirán ajenas, sino como un plus a la experiencia general del show.

En este sentido, tras ser cuestionados sobre qué artistas están en su lista sonada para colaborar, mencionaron que con quién se deje. Haciendo una alusión a la forma en que los fans mexicanos se volvieron tendencia durante el mundial por su trato a los extranjeros, mencionan que "El mexicano tiene el superpoder de generar conexiones, de generar convivencia". César, baterista de la agrupación, mencionó que le gustaría hacer una colaboración con Natalia Lafourcade.

La gira continuará luego de CDMX, terminando en la ciudad de origen de la banda. Cerrar la gira en Ciudad Obregón es para el grupo una forma de devolver a su hogar y sus familias todo lo que estos les han dado, un agradecimiento por haberles ayudado a crecer y a forjar una identidad basada en vencer las adversidades. En sus palabras, "Ser un hijo del desierto es encontrar gozo en la adversidad".

Finalmente el grupo reveló que no piensan tomar ningún descanso tras la gira y ya tienen dos discos totalmente nuevos a la espera de su lanzamiento tras la llegada de Las Malqueridas este jueves. Estar dedicados totalmente a los shows y a crear nueva música es su forma de vida soñada. "Si hubiéramos querido vivir una vida tranquila, había muchos más caminos de dónde elegir"

De esta forma, Nunca Jamás reiteró la invitación al público a no perderse de una noche de rock agropecuario este 15 de Agosto en el Lunario del Auditorio Nacional. Las entradas ya están disponibles en Ticketmaster y ya pueden seguir a la agrupación en Facebook e Instagram para más actualizaciones de dónde poder disfrutar de su música. 

Y ya que están en Facebook no olviden seguirnos a nosotros para no perderte nada de nuestro contenido.

El Tri vuelve al Palacio de los Deportes: Asi fue la conferencia de prensa

 

En el mundo de la música hay bandas que llegan y se van sin hacer mayor ruido. Hay otras que encuentran la forma de mantenerse vigentes a lo largo de los años y luego está El Tri.

A lo largo de 58 años, la agrupación liderada por el ya icónico Alex Lora ha lanzado 55 discos y creado joyas atemporales como Las Piedras Rodantes, A.D.O, Triste Canción o Pobre Soñador, temas que perduran por generaciones y logran resonar con el paso de las generaciones.

Y este sábado 25 de Julio, Lora y compañía celebrarán un año más de carrera en el Palacio de los Deportes, uno de los recintos musicales más importantes de México.

El Tri tomará el recinto en Adicto al Rocanrol, un show que promete ser inolvidable, con una duración estimada de cuatro horas en las que interpretarán sus más grandes hits y algunos de sus nuevos temas en un show que pinta para ser histórico, pues además llega justo en la celebración del 46 aniversario de bodas de Alex y Chela Lora, por lo que el concierto también brindará a los asistentes de la velada la oportunidad de ver al matrimonio renovar sus votos frente a un monseñor invitado para la ocasión.

Durante la conferencia, Alex habló sobre el paso del tiempo, destacando que la banda ha estado presente durante décadas porque viven y respiran rock 'n roll. "Muchos creen que hacer una banda es subirse al escenario, gritar ¡Que chin**** a su m**** todos y que viva el rocanrol!, pero no es así. Este camino es uno oscuro y lleno de espinas", mencionó respondiendo a la pregunta sobre qué podría decirle a las bandas emergentes que, inspirados en El Tri, tratan de abrirse paso en una escena cada vez más complicada. "Cualquier banda que tenga los huevos de subirse a un escenario e interpretar sus propias canciones tiene todo nuestro respeto", agregó.

Cuestionados sobre como mantener una relación por 46 años de casados (55 de novios), Chela habló sobre como el apoyar a su esposo fue determinante para el éxito de su vida romántica. "Si yo me hubiera quedado en casa a esperar que mi esposo solo me diera dinero, esto nunca hubiera funcionado" mencionó ella, con Alex complementando "El Tri ya se hubiera acabado hace años y yo ya hasta me habría muerto".

Asímismo, los miembros de la agrupación dieron unas palabras a petición de Alex, quien mencionó "Qué vengan a decir algo porque si no, entonces no sé para qué los trajimos". Los integrantes contaron sus inicios en la banda, con un momento bastante emotivo en el que Óscar mencionó que su padre no apoyaba su idea de entrar a la música y llegó a romperle una guitarra. Tiempo después, este le compró una serie de instrumentos musicales para apoyar su carrera. "Mi padre falleció hace un año, nunca se disculpó por la guitarra, pero siento que los instrumentos fueron su forma de pedir perdón", mencionó entre lágrimas.

Así, en medio de risas, muchas anécdotas y algunas lágrimas, El Tri reiteró la invitación a no perderse este concierto este sábado 25 de Julio en el Palacio de los Deportes de la CDMX. Los boletos ya se encuentran a la venta en Ticketmaster.

El Sonido al Caer - Reseña

 

Título original: In Die Sonne Schaue

Dirección: Mascha Schilinski

País: Alemania

Año: 2025

Estreno en México: 9 de Julio de 2026

Distribuye: Cine CANIBAL

Hay películas que más que solo verlas, hay que vivirlas. Peliculas que nos mueven y nos llegan directamente a los sentidos. Y una de ellas es El Sonido al Caer, cinta dirigida por Mascha Schilinski y protagonizada por Hanna Heckt, Lena Urzendowsky, Laeni Geiseler, Susanne Wuest, Luise Heyer y Lea Drinda, la cinta elegida para representar a Alemania en la pasada temporada de premios y que finalmente llegó a cines tras su paso por la 78 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional a finales del año pasado.

Alma, Erika, Angelika y Lenka son cuatro mujeres de distintas edades y que viven en diferentes periodos de tiempo, una previo a la Primera Guerra Mundial, otra después de la segunda, una más en Alemania del Este durante los 80's y la última en la actualidad. Hay algunas cosas que comparten, pero la principal es el lugar donde viven: Una granja en Altmark.

A lo largo de los periodos que la cinta nos permite ver de ellas, conocemos como experimentan desde la felicidad hasta el dolor y a veces atestiguar cosas horribles de las que deben sobreponerse.

Quiero comenzar hablando de lo que más me gustó de esta propuesta e ir desglosando el resto a partir de ahí. Con eso dicho, creo que estamos ante una de las propuestas visuales más bellas del año pasado y una de las mejores queverán en este. La fotografía encapsula a la perfección los momentos alegres, la melancolía y los paisajes que nos permite ver. Veo a la película contendiendo por premios en ese aspecto y en cuanto al sonido, que es envolvente y en ocasiones su presencia o ausencia ayuda a amplificar las emociones. Considero que el título de la película en inglés (Sound of Falling) queda mejor que el propio título en alemán (Que podría traducirse como "Mira hacia el Sol") porque durante la película hay algunas caídas y en ellas el diseño de sonido las hace más impactantes.

A esto ayudan sobremanera las actuaciones, especialmente las de Lena Urzendowsky como Angelika y la de Hanna Heckt como la pequeña Alma. Casi todas las protagonistas hacen un trabajo espectacular y saben plasmar lo que quieren hacer sentir al espectador.

Y acá es donde viene la queja (Si pudieramos llamarla así), y es que al contener momentos muy concretos de las vidas de sus protagonistas, hay un par que salen perdiendo.

Primero la historia de Lenka, donde buena parte del tiempo no sabes en quién se está enfocando la historia hasta que ella misma comienza a narrar, el giro se aprecia bastante, es muy interesante e inesperado, pero la sensación de confusión impera hasta que sabemos quien nos está contando su vida. La otra es la de Erika, la más perjudicada por lo interesante que son el resto de las historias. Lea Drinda apenas tiene tiempo para demostrar su talento, y aunque lo hace bien, su tiempo en pantalla la hace ver más como un vehículo de conexión que como un personaje completo.

En ese sentido, el ritmo se ve particularmente arrastrado por las historias, saltando de un momento a otro entre ellas y centrandose más en unas que en otras. El guión ayuda a que esa dinámica se mantenga interesante (Particularmente las historias de Angelika y Lenka atrapan de inmediato por las cosas que ocultan), y cada vez que hay un salto entre historias, llega una sensación de inquietud sobre lo que viene. La cinta dura casi dos horas y media, por lo que también se pudieron haber cortado tramos de las tres historias más largas para darle un poco más de foco a la cuarta.

Lo cierto es que la cinta recompensa muy bien al espectador, con giros en las historias que llevan a las protagonistas en direcciones inesperadas y que sorprenden de forma muy grata (En lo visual, porque algunos giros son dolorosos). La cinta vale totalmente el boleto, pero hay que considerar que es cine con un ritmo bastante pausado que no muchos pueden soportar.

Al final, tras más de dos horas, uno genera conexiones con las protagonistas. Se preocupa por ellas y por lo que viven, y ese es el objetivo de la película, ver que la vida sigue, a pesar de todo lo malo, lo importante es avanzar y esperar que la próxima historia sea mejor que la anterior. Y a veces así es.

¿Tienen dos horas libres y quieren ver la mirada de un grupo de protagonistas muy diferentes entre sí sobre la vida (Y a veces la muerte?

¿Tienen ganas de presenciar un despliegue impresionante por parte de la fotografía y un sonido que no van a olvidar?

¿Les gustan las propuestas extranjeras que se salen del molde?

Si respondieron que sí al menos a una de estas preguntas, entonces definitivamente no se pueden perder El Sonido al Caer, ya disponible en cines mexicanos.

El veredicto:

Y tú, ¿Ya viste El Sonido al Caer? En caso de que así sea, eres bienvenido a dejar tus comentarios y unirte a Claqueta 23 en nuestro Facebook, así como sugerir temas de los que les gustaría que habláramos en este blog.

¡Si llegaste hasta acá, muchas gracias por tu tiempo y sigamos amando el cine!

Violet and Marlowe Rob a Bank: Cuando te han quitado tanto que también se llevan tu miedo

Dirección: Wesley Wang

País: Estados Unidos

Año: 2026

Estreno en YouTube: 6 de Junio de 2026

Advertencia: El texto a continuación analiza un cortometraje de escasos tres minutos de duración, por lo que es recomendable verlo antes de seguir leyendo, no por spoilers, sino porque se invierte menos tiempo en verlo que en este artículo que sirve solo como complemento. Pueden encontrar el cortometraje justo aquí.

Cuando vemos Fantastic Mr. Fox (Wes Anderson, 2009) no nos es difícil empatizar con su protagonista. El Señor Zorro emprende una serie de robos porque extraña sus días de gloria, un propósito sumamente egoísta, pero que pasamos por alto al ser derrotados por el innegable carisma y diálogos que nos permiten entenderlo… ¿Pero sería igual de fácil conectar con él si no dijera palabra alguna y no estuviera en una película de hora y media, sino en un tiempo mucho, pero MUCHO más reducido?

La respuesta a eso es sin duda alguna Violet and Marlowe Rob a Bank, un simpático cortometraje dirigido por Wesley Wang que se alzó con el premio a Mejor Cortometraje Animado en la más reciente edición del Festival de Cine de Tribeca (De paso garantizando ser elegible para el Oscar) y que sirve además como videoclip de Feel it All Again de adore. Un trabajo que en solo tres minutos contiene una serie de mensajes que resuena muy fuerte en nosotros y en nuestra realidad actual.

Sin ir muy lejos, la historia nos presenta desde el principio y sin ningún tipo de diálogos a Violet y Marlowe, una pareja de conejitos qué viven en una casita a las afueras de la ciudad. Una puesta en escena encantadora cuya belleza se altera en menos de veinte segundos, cuando los vemos preparar armas para su plan.

Ni bien ha comenzado la historia y ya tenemos ciertos recuerdos, los personajes inevitablemente traen a nuestra memoria a los encantadores Sylvanian Families (O Ternurines, como los conocemos en México) y el estilo de animación da la sensación de ser stop-motion pese a haber sido creado en su totalidad en Blender, el famoso programa responsable de la animación de Flow.

Sin haber llegado a los treinta segundos, comprendemos que nuestros protagonistas harán justicia al titulo de su obra para robar… zanahorias. Lo que pudo haberse quedado solo en un chiste se ve reforzado por un cartel que aparece por apenas un par de segundos y que habla de la posibilidad de comprar “Las mejores zanahorias por solo 19.99 dólares”. Si haber dicho una sola palabra, entendemos perfectamente lo que Violet y Marlowe planean, y eventualmente nos mostrarán qué los llevó a esos extremos, pero eso ya lo verán ustedes en el cortometraje, porque decir más implica incurrir en spoilers.

La comparación con Fantastic Mr. Fox que hice al inicio no es gratuita, hay una serie de similitudes entre el Señor Zorro y Marlowe, el conejito protagonista: Ambos son ladrones, pero mientras que las acciones del primero son un mero vehículo para revivir sus viejas glorias, Marlowe lo hace por un sentido de justicia. No es robar zanahorias por ser zanahorias, sino que se convierte en un acto de resistencia y una forma de resarcir un daño creado por las altas esferas de una compañía.

Viendo estos tres minutos de metraje es inevitable pensar en el concepto de acumulación por desposesión acuñado por el geógrafo inglés David Harvey. Las zanahorias se convierten entonces en la forma de enriquecimiento que pasa por encima no solo de nuestros protagonistas, sino por toda una clase que se ha visto súbitamente incapaz de acceder a algo que debería ser un derecho. Las similitudes con noticias reales ni siquiera son sutiles, y las vemos a diario, las refresqueras y cerveceras se apoderan de mantos acuíferos, personas en el campo reciben pagos miserables para llenar los bolsillos de grandes empresas… una lista que podría prolongarse eternamente.

Violet y Marlowe parecen responder entonces a las palabras de Karl Marx, quien sostenía que "Si la conquista ha creado el derecho natural para una minoría, a la mayoría no le queda más que reunir suficientes fuerzas para tener el derecho natural de reconquistar lo que se le ha quitado". Ver el cortometraje refuerza ese postulado, y si ya lo vieron y conocen el plan de los conejitos, estarán de acuerdo en que todo lo que ocurre viene no de un deseo por comprometer la economía, sino de enmendar una injusticia, lo que hace aún más graves las consecuencias para todos en la historia.

Y vuelvo a Fantastic Mr. Fox porque recién en los primeros segundos hay un homenaje muy marcado a los primeros minutos de la cinta de Wes Anderson y otro que calca casi por completo una situación que le ocurre a los personajes de la película. Antes de este momento tenemos por primera vez diálogos, pero sin ninguna voz, solo subtitulos para dos frases, la única pieza de contexto que necesitamos. Aquí se abre otra diferencia con Mr. Fox, y es que Violet y Marlowe ya tienen nuestro corazón desde antes de decir una sola palabra porque ya los comprendemos, su lucha ya es nuestra y por eso cuando las consecuencias llegan, nos duelen.

El trabajo de Wesley Wang es impresionante no solo por el grado de detalle de sus escenarios, por lo bien que se ven sus secuencias de acción y por como estos “Ternurines” llevan a cabo su plan, la historia se entiende perfectamente sin diálogos y la banda sonora (Nuevamente, el tema es Feel it All Again de adore) vuelven a este corto en un viaje que resuena en nosotros incluso después de verlo. Fue animado por dos personas a lo largo de siete meses y por eso es tan reducido, pero Wang ha expresado sus intenciones de reunir más gente y convertir Violet and Marlowe Rob a Bank en un largometraje, esperemos lo logren.

De cualquier forma estos personajes han llegado para quedarse, en su cuenta en Instagram (@violetnmarlowe) pueden encontrar diversos reels de esta adorable pareja viviendo aventuras cortas como infiltrarse en un partido del mundial, bailando o hasta recreando escenas de Obsession y Backrooms. Hay mucho amor en los videos de Violet y Marlowe y al menos yo espero que logren trascender más allá de las pantallas de celulares y computadoras, pues es un proyecto con un potencial casi infinito, y es lo más cerca que estaremos de ver a Wes Anderson dirigiendo una película de Sylvanian Families.

Solo que estos Ternurines están armados, no tienen miedo a nada, y buscan justicia cueste lo que cueste.

Y tú, ¿Ya viste Violet and Marlowe Rob a Bank? En caso de que así sea, eres bienvenido a dejar tus comentarios y unirte a Claqueta 23 en nuestro Facebook, así como sugerir temas de los que les gustaría que habláramos en este blog.

¡Si llegaste hasta acá, muchas gracias por tu tiempo y sigamos amando el cine!

40 años de The Evil Dead: Historia de un éxito inesperado

 

El periodo entre finales de los 70's y el inicio de los 80's fue una época gloriosa para el cine de terror, el mundo conoció personajes e historias que se volvieron icónicos. En 1978 surgió Michael Myers, seguido por el temible Xenomorfo de Alien en 1979 y por Jason Voorhees en 1980. La tendencia de crear un personaje legendario al año se mantuvo, y en 1981 el mundo estaba a punto de conocer a un hombre que tuvo que enfrentarse al mal mismo... El gran Ash Williams.

A finales de los años 70, un joven Sam Raimi hacia películas cómicas con sus dos grandes aliados: Su cámara Super 8 y su amigo de años, Bruce Campbell. Tras filmar una escena de suspenso en uno de estos proyectos, ambos decidieron hacer el salto al terror, pero necesitaban dinero para poder hacer algo serio, y ninguno de ellos tenía lo suficiente, así que usando un corto llamado "Within The Woods" con el que lograron obtener un poco de presupuesto, aunque no el que necesitaban. Campbell puso la propiedad de su familia como garantía para completar el dinero y lograron reunir 375'000 dólares.

Con un equipo de solo trece personas, mayormente amigos y familiares, y con Campbell como protagonista y productor, debido a que era el único actor que tenía que quedarse el tiempo necesario al producir la cinta, Raimi viajó a la única ciudad que mostró interés en el proyecto, Morristown en el estado de Tennessee y ahí encontró una cabaña lejos de la civilización. Luego de un rodaje accidentado, donde prácticamente todo el equipo se peleó con alguien al menos una vez y dónde muchos de los involucrados fueron heridos por accidente, el 27 de Enero de 1980 el rodaje se completó totalmente.

Luego de la edición de la cinta (Que cabe destacar porque el asistente de la editora era el mismísimo Joel Coen, que se inspiró en Raimi y su idea de hacer un corto para buscar inversores, surgiendo de ahí Blood Simple), la película se estrenó el 15 de Octubre de 1981 en un cine donde Bruce Campbell veía peliculas de niño, y cuando más de mil personas se presentaron, Raimi decidió presentar la película en una gira para que cualquiera que quisiera verla tuviera la oportunidad.

Así fue como la cinta llegó a Irvin Shapiro, quien en su tiempo logró distribuir La Noche de los Muertos Vivientes de George A. Romero. Shapiro consiguió que la cinta se exhibiera en Cannes en 1982, y ahí fue donde la cosa cambió, pues en la función de encontraba un hombre llamado Stephen King.

King alabó la película, llamándola "La película más ferozmente original del año" y mencionando que le hizo experimentar sensaciones que no había sentido con otras películas de terror. Bastó eso para que New Line Cinema adquiriera los derechos, le diera un cheque a Raimi con fondos suficientes para pagarle a los inversionistas. Además, lanzaron la cinta en cines el mismo día que en VHS, convirtiendo a la película en la pionera de los estrenos híbridos que ahora vivimos casi cada semana.

Con 108'000 dólares en su estreno, la cinta debutó de forma pobre en la taquilla, hasta que Irvin Shapiro consiguió distribución internacional (De una forma que le resultó contraproducente a la segunda parte) y así The Evil Dead recaudó 27 millones de dólares fuera de Estados Unidos, con un total final de 29 millones de dólares en todo el mundo (Excepto los países donde la cinta sigue vetada por la violencia excesiva).

La cinta fue amada por la crítica y por el público, aunque falló en darle renombre a Raimi. Tras el fracaso de Crimewave, su siguiente película, el cineasta quedó casi en la quiebra de dónde solo logró salir gracias a Evil Dead 2.

The Evil Dead generó una franquicia de tres peliculas (Una más por venir), un remake en 2013, videojuegos, muchas miniseries de cómics (Incluyendo un crossover con Marvel Zombies y dos con Freddy Krueger y Jason), y una serie de tres temporadas. No solo encumbró a Raimi como un gran director, sino que elevó a Bruce Campbell al nivel de ícono del terror, al grado de que es imposible imaginar a Ash interpretado por otro actor.

También estableció un nuevo tipo de zombie, el Deadite, un ser impredecible que puede cambiar su apariencia, vive a menos que lo despedacen (E incluso los restos pueden tener vida propia), pueden correr, pensar, conducir... El Deadite es tan impredecible que encontrar uno es señal de muerte inminente, y su legado es tal, que la intención de Adam Marcus con Jason Goes to Hell era convertir a Jason Voorhees en un ser de esta especie, con cameo del Necronomicon incluido.

The Evil Dead es ya una cinta de culto, una recomendación absoluta e imperdible para fans del terror y el slasher, y la prueba no solo de que el terror no necesita presupuestos gigantescos, sino también de que una buena historia puede quedar en la memoria de la gente si está bien hecha...

... Y si no es así, siempre puedes ponerle una motosierra en la mano a tu protagonista.

Candyman - Reseña

Dirección: Nia DaCosta

País: Estados Unidos

Año: 2020

Estreno en México: 26 de Agosto de 2021

En 1992 el cine conoció a un ser que solo pudo haber nacido de la mente del creador de Hellraiser, el gran Clive Barker. Un ser que solo podía invocarse diciendo su nombre frente a un espejo cinco veces, pero al aparecer, te mataría. ¿Quién sería capaz de cometer semejante acto solo para condenarse?

La cinta consiguió un par de secuelas antes de perderse prácticamente en el olvido, donde hubiera permanecido de no ser por un hombre y una mujer, que no iban a dejar morir a un personaje con tanto potencial: Jordan Peele y Nia DaCosta.

Aliandose en el guión con Win Rosenfeld, ambos se cuestionaron la forma de traer a Candyman a las nuevas audiencias, y la propia Nia se encargaría de dirigirla, con Jordan produciendo, un enorme gancho para la audiencia después de las aclamadas ¡Huye! (2017) y Nosotros (2019).

¿Pero cómo hacer relevante para nuestros tiempos a un personaje así?

Solo volviendo al inicio.

Anthony McCoy es un artista que vuelve a Cabrini Green, un barrio afroamericano que poco a poco fue relegado y gentrificado por millenials, quedando a poco de perder su identidad.

Mientras busca nuevas ideas para sus obras, debido a la presión que esto ejerce en el trabajo de su novia, Anthony decide investigar la historia del pueblo, descubriendo el caso de Helen Lyle (De la cinta original), y por consecuencia también a Candyman, descubrimiento que poco a poco va a torcer su vida.

La leyenda es más real de lo que Anthony creía, y no solo eso, sino que parece tener planes para nuestro protagonista.

Yahya Abdul Mateen II ya era reconocido, recientemente fue Doctor Manhattan en la aclamada Watchmen de HBO (Una de las mejores series de su año) y Black Manta en Aquaman de James Wan, pero aquí se nota inspirado. Fácilmente mueve la película con cada gesto, con cada frase, este es un papel que parece hecho a la medida y lo hace excelente, su dolor y su frustración son palpables, realmente te crees todo lo que le ocurre.

A su lado se encuentra Teyonah Parris, conocida recientemente como Monica Rambeau en WandaVision y próximamente en The Marvels (También dirigida por DaCosta), y si bien al principio no parece aportar mucho a la trama, el personaje va creciendo, se va desarrollando y logra hacer más efectivo todo el drama y el horror que contemplamos. Es además quien genera el mayor dramatismo en la película, un verdadero acierto.

Y mientras que Colman Domingo se roba gran parte de las escenas en qué aparece, hay alguien más invitado a esta cinta, y tienen que hablar de él.

Gran parte de lo que Candyman logró en su trilogía original fue gracias a Tony Todd. El hombre le puso todo su empeño en crear un monstruo memorable, cosa que le dió fama suficiente para ser invitado en la saga Destino Final y para que su voz resonara en los fans de DC cuando se hizo escuchar como Zoom en la segunda temporada de The Flash.

El anuncio de que iba a regresar en esta entrega pasó bastante desapercibido de forma injusta, pero verlo de nuevo vale completamente la pena. Todd está consciente de su papel, y le guarda un cariño muy especial al personaje que lo ayudó a encumbrarse, y por esto pone todo de sí por no decepcionar. El hombre se nota feliz de regresar al rol, y lo hace espectacular, da gusto ver que la chispa no ha desaparecido.

Y habiendo hablado de las actuaciones, vamos a lo más importante, el guión y todo lo que lleva consigo...

El trabajo de DaCosta, Peele y Rosenfeld demuestra amor por este símbolo y lo que significa, tal como en la cinta original, donde Helen Lyle teoría que el monstruo es la forma en la que los residentes de Cabrini Green lidian con la forma en que viven y la discriminación que sufren (El propio Candyman nace luego de una horrible tortura luego de cometer "el único error que alguien como él podría cometer", es decir, enamorarse de una chica blanca.

Es este amor, y tal la noción que tienen sobre la obra original, que la cinta se permite tomar referencia a lo que vino antes, pero sin dejar que esta los guíe, y es aquí donde viene lo más destacado a mi parecer:

Al principio, cuando escuches la historia de Candyman (Si viste la película original) posiblemente tus cejas se arqueen. No diré porqué, ustedes llegarán a ello, pero es solo el principio de una reconstrucción total al mito como lo conocemos.

Esto no es malo, al contrario, al notarlo la cinta adquiere una mayor dimensión y conciencia, encumbra finalmente a Candyman al punto en que nos lo han presentado desde hace casi treinta años, y lo vuelve reconocible para el momento que vivimos, y es justo esa la clase de revivals que los personajes del cine de terror necesitan. No contar su historia otra vez, sino expandir lo que conocemos con personas que amen lo que estos representan.

La fotografía es espectacular, y la música es un trabajo increíble, desde el principio mientras ves los créditos te pone tenso, y al final podría incluso hacerte llorar, mientras la secuencia de créditos utiliza el mismo estilo de títeres de sombra que vimos en los trailers, y que es un recurso ingenioso y efectivo para los flashbacks, todo gracias a una maravillosa labor en la dirección.

Este tipo de experiencias debería de transmitir el cine de terror. Actores increíbles y que demuestran amar sus papeles, un guión perfectamente construido, y que aunque puede volverse lento a veces, te deje con un buen sabor de boca. Por mucho es la mejor película de terror del año, y la prueba no solo de que Jordan Peele es un maestro del terror, sino también de que hay que seguir muy de cerca a Nia DaCosta, porque de seguro tiene un futuro brillante en el cine.

Calificación: 9/10