40 años de The Evil Dead: Historia de un éxito inesperado

 

El periodo entre finales de los 70's y el inicio de los 80's fue una época gloriosa para el cine de terror, el mundo conoció personajes e historias que se volvieron icónicos. En 1978 surgió Michael Myers, seguido por el temible Xenomorfo de Alien en 1979 y por Jason Voorhees en 1980. La tendencia de crear un personaje legendario al año se mantuvo, y en 1981 el mundo estaba a punto de conocer a un hombre que tuvo que enfrentarse al mal mismo... El gran Ash Williams.

A finales de los años 70, un joven Sam Raimi hacia películas cómicas con sus dos grandes aliados: Su cámara Super 8 y su amigo de años, Bruce Campbell. Tras filmar una escena de suspenso en uno de estos proyectos, ambos decidieron hacer el salto al terror, pero necesitaban dinero para poder hacer algo serio, y ninguno de ellos tenía lo suficiente, así que usando un corto llamado "Within The Woods" con el que lograron obtener un poco de presupuesto, aunque no el que necesitaban. Campbell puso la propiedad de su familia como garantía para completar el dinero y lograron reunir 375'000 dólares.

Con un equipo de solo trece personas, mayormente amigos y familiares, y con Campbell como protagonista y productor, debido a que era el único actor que tenía que quedarse el tiempo necesario al producir la cinta, Raimi viajó a la única ciudad que mostró interés en el proyecto, Morristown en el estado de Tennessee y ahí encontró una cabaña lejos de la civilización. Luego de un rodaje accidentado, donde prácticamente todo el equipo se peleó con alguien al menos una vez y dónde muchos de los involucrados fueron heridos por accidente, el 27 de Enero de 1980 el rodaje se completó totalmente.

Luego de la edición de la cinta (Que cabe destacar porque el asistente de la editora era el mismísimo Joel Coen, que se inspiró en Raimi y su idea de hacer un corto para buscar inversores, surgiendo de ahí Blood Simple), la película se estrenó el 15 de Octubre de 1981 en un cine donde Bruce Campbell veía peliculas de niño, y cuando más de mil personas se presentaron, Raimi decidió presentar la película en una gira para que cualquiera que quisiera verla tuviera la oportunidad.

Así fue como la cinta llegó a Irvin Shapiro, quien en su tiempo logró distribuir La Noche de los Muertos Vivientes de George A. Romero. Shapiro consiguió que la cinta se exhibiera en Cannes en 1982, y ahí fue donde la cosa cambió, pues en la función de encontraba un hombre llamado Stephen King.

King alabó la película, llamándola "La película más ferozmente original del año" y mencionando que le hizo experimentar sensaciones que no había sentido con otras películas de terror. Bastó eso para que New Line Cinema adquiriera los derechos, le diera un cheque a Raimi con fondos suficientes para pagarle a los inversionistas. Además, lanzaron la cinta en cines el mismo día que en VHS, convirtiendo a la película en la pionera de los estrenos híbridos que ahora vivimos casi cada semana.

Con 108'000 dólares en su estreno, la cinta debutó de forma pobre en la taquilla, hasta que Irvin Shapiro consiguió distribución internacional (De una forma que le resultó contraproducente a la segunda parte) y así The Evil Dead recaudó 27 millones de dólares fuera de Estados Unidos, con un total final de 29 millones de dólares en todo el mundo (Excepto los países donde la cinta sigue vetada por la violencia excesiva).

La cinta fue amada por la crítica y por el público, aunque falló en darle renombre a Raimi. Tras el fracaso de Crimewave, su siguiente película, el cineasta quedó casi en la quiebra de dónde solo logró salir gracias a Evil Dead 2.

The Evil Dead generó una franquicia de tres peliculas (Una más por venir), un remake en 2013, videojuegos, muchas miniseries de cómics (Incluyendo un crossover con Marvel Zombies y dos con Freddy Krueger y Jason), y una serie de tres temporadas. No solo encumbró a Raimi como un gran director, sino que elevó a Bruce Campbell al nivel de ícono del terror, al grado de que es imposible imaginar a Ash interpretado por otro actor.

También estableció un nuevo tipo de zombie, el Deadite, un ser impredecible que puede cambiar su apariencia, vive a menos que lo despedacen (E incluso los restos pueden tener vida propia), pueden correr, pensar, conducir... El Deadite es tan impredecible que encontrar uno es señal de muerte inminente, y su legado es tal, que la intención de Adam Marcus con Jason Goes to Hell era convertir a Jason Voorhees en un ser de esta especie, con cameo del Necronomicon incluido.

The Evil Dead es ya una cinta de culto, una recomendación absoluta e imperdible para fans del terror y el slasher, y la prueba no solo de que el terror no necesita presupuestos gigantescos, sino también de que una buena historia puede quedar en la memoria de la gente si está bien hecha...

... Y si no es así, siempre puedes ponerle una motosierra en la mano a tu protagonista.

Candyman - Reseña

Dirección: Nia DaCosta

País: Estados Unidos

Año: 2020

Estreno en México: 26 de Agosto de 2021

En 1992 el cine conoció a un ser que solo pudo haber nacido de la mente del creador de Hellraiser, el gran Clive Barker. Un ser que solo podía invocarse diciendo su nombre frente a un espejo cinco veces, pero al aparecer, te mataría. ¿Quién sería capaz de cometer semejante acto solo para condenarse?

La cinta consiguió un par de secuelas antes de perderse prácticamente en el olvido, donde hubiera permanecido de no ser por un hombre y una mujer, que no iban a dejar morir a un personaje con tanto potencial: Jordan Peele y Nia DaCosta.

Aliandose en el guión con Win Rosenfeld, ambos se cuestionaron la forma de traer a Candyman a las nuevas audiencias, y la propia Nia se encargaría de dirigirla, con Jordan produciendo, un enorme gancho para la audiencia después de las aclamadas ¡Huye! (2017) y Nosotros (2019).

¿Pero cómo hacer relevante para nuestros tiempos a un personaje así?

Solo volviendo al inicio.

Anthony McCoy es un artista que vuelve a Cabrini Green, un barrio afroamericano que poco a poco fue relegado y gentrificado por millenials, quedando a poco de perder su identidad.

Mientras busca nuevas ideas para sus obras, debido a la presión que esto ejerce en el trabajo de su novia, Anthony decide investigar la historia del pueblo, descubriendo el caso de Helen Lyle (De la cinta original), y por consecuencia también a Candyman, descubrimiento que poco a poco va a torcer su vida.

La leyenda es más real de lo que Anthony creía, y no solo eso, sino que parece tener planes para nuestro protagonista.

Yahya Abdul Mateen II ya era reconocido, recientemente fue Doctor Manhattan en la aclamada Watchmen de HBO (Una de las mejores series de su año) y Black Manta en Aquaman de James Wan, pero aquí se nota inspirado. Fácilmente mueve la película con cada gesto, con cada frase, este es un papel que parece hecho a la medida y lo hace excelente, su dolor y su frustración son palpables, realmente te crees todo lo que le ocurre.

A su lado se encuentra Teyonah Parris, conocida recientemente como Monica Rambeau en WandaVision y próximamente en The Marvels (También dirigida por DaCosta), y si bien al principio no parece aportar mucho a la trama, el personaje va creciendo, se va desarrollando y logra hacer más efectivo todo el drama y el horror que contemplamos. Es además quien genera el mayor dramatismo en la película, un verdadero acierto.

Y mientras que Colman Domingo se roba gran parte de las escenas en qué aparece, hay alguien más invitado a esta cinta, y tienen que hablar de él.

Gran parte de lo que Candyman logró en su trilogía original fue gracias a Tony Todd. El hombre le puso todo su empeño en crear un monstruo memorable, cosa que le dió fama suficiente para ser invitado en la saga Destino Final y para que su voz resonara en los fans de DC cuando se hizo escuchar como Zoom en la segunda temporada de The Flash.

El anuncio de que iba a regresar en esta entrega pasó bastante desapercibido de forma injusta, pero verlo de nuevo vale completamente la pena. Todd está consciente de su papel, y le guarda un cariño muy especial al personaje que lo ayudó a encumbrarse, y por esto pone todo de sí por no decepcionar. El hombre se nota feliz de regresar al rol, y lo hace espectacular, da gusto ver que la chispa no ha desaparecido.

Y habiendo hablado de las actuaciones, vamos a lo más importante, el guión y todo lo que lleva consigo...

El trabajo de DaCosta, Peele y Rosenfeld demuestra amor por este símbolo y lo que significa, tal como en la cinta original, donde Helen Lyle teoría que el monstruo es la forma en la que los residentes de Cabrini Green lidian con la forma en que viven y la discriminación que sufren (El propio Candyman nace luego de una horrible tortura luego de cometer "el único error que alguien como él podría cometer", es decir, enamorarse de una chica blanca.

Es este amor, y tal la noción que tienen sobre la obra original, que la cinta se permite tomar referencia a lo que vino antes, pero sin dejar que esta los guíe, y es aquí donde viene lo más destacado a mi parecer:

Al principio, cuando escuches la historia de Candyman (Si viste la película original) posiblemente tus cejas se arqueen. No diré porqué, ustedes llegarán a ello, pero es solo el principio de una reconstrucción total al mito como lo conocemos.

Esto no es malo, al contrario, al notarlo la cinta adquiere una mayor dimensión y conciencia, encumbra finalmente a Candyman al punto en que nos lo han presentado desde hace casi treinta años, y lo vuelve reconocible para el momento que vivimos, y es justo esa la clase de revivals que los personajes del cine de terror necesitan. No contar su historia otra vez, sino expandir lo que conocemos con personas que amen lo que estos representan.

La fotografía es espectacular, y la música es un trabajo increíble, desde el principio mientras ves los créditos te pone tenso, y al final podría incluso hacerte llorar, mientras la secuencia de créditos utiliza el mismo estilo de títeres de sombra que vimos en los trailers, y que es un recurso ingenioso y efectivo para los flashbacks, todo gracias a una maravillosa labor en la dirección.

Este tipo de experiencias debería de transmitir el cine de terror. Actores increíbles y que demuestran amar sus papeles, un guión perfectamente construido, y que aunque puede volverse lento a veces, te deje con un buen sabor de boca. Por mucho es la mejor película de terror del año, y la prueba no solo de que Jordan Peele es un maestro del terror, sino también de que hay que seguir muy de cerca a Nia DaCosta, porque de seguro tiene un futuro brillante en el cine.

Calificación: 9/10

Micro-Reseñas Macabras: Macabro XX

No hay fecha que no llegue, y después de un año completo, el Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México ha vuelto para tener al circuito cultural de la capital aterrado por 11 días, y gracias a sus aliados digitales (FilminLatino, Plataforma Cine, TV UNAM y Canal 22) el terror no será exclusivo de la ciudad, sino que todo México puede unirse a este festejo por segundo año consecutivo.

Desde el inicio de Claqueta 23, Macabro nos ha considerado un medio confiable para difundir sus actividades, y por este motivo tuvimos la oportunidad de ver 11 peliculas de su programación a las largo de diez días, y por eso estamos aquí, para hablar un poco de las cintas que ya vimos, para que tengan una idea de las historias que los esperan si se aventuran a encontrarse en el cine con el terror de esta edición (Con las medidas correspondientes de precaución, por supuesto.

1. Lair | Dir. Adam Ethan Crow | Reino Unido | 2021 | 96 min

Sinopsis: 

El autoproclamado experto en ocultismo Dr. Steven Caramore vive desacreditando alegatos de posesión junto con su confidente haitiano, Ola. Sin embargo, cuando un amigo y colega, Ben Dollarhyde, es acusado de asesinato alegando que había sufrido una posesión demoniaca, Caramore es forzado a cuestionar sus creencias.

Nuestro primer encuentro con Macabro XX fue esta cinta británica que cuenta con Oded Fehr (Resident Evil) en un pequeño papel. Una historia sobre un hombre dispuesto a todo por ayudar a su amigo, aún si eso implica arriesgar a una familia.

Lair comienza lento, con un una introducción claustrofóbica que da indicios de lo que espera al espectador. Tras un tiempo de tensión, la cinta despega, se va convirtiendo en Actividad Paranormal, pero un poco más lenta, y cuando parece que todas las sorpresas se agotan, la historia pega un par de giros, con un final digno de Shyamalan que sorprenderá a cualquiera.

Sin embargo, la lentitud que la historia presenta le resta tiempo para estos giros, cosa que los hace parecer apresurados. Vale la pena verla, pero hay que estar conscientes de que el terror no es igual en todo el mundo.

Calificación: 3/5

2. The Strings | Dir. Ryan Glover | Canadá | 2020 | 94 min

Sinopsis: 

Al final del invierno, una música viaja a una cabaña remota para trabajar en nuevo material, pero pronto se da cuenta de que está bajo el ataque de una misteriosa y oscura presencia.

The Strings es una historia muy curiosa sobre el aislamiento. Una cinta que se aprovecha de lugares pequeños para dar la idea de que no hay escape, y los lugares amplios, más que dar una sensación de seguridad solo logran multiplicar la sensación de soledad. Dentro de todo esto conocemos a una chica que se dedica a la música. Su actuación es igual de magnífica que su música (La chica no solo protagoniza, sino que todas las canciones son interpretadas por ella).

Pese a lo anterior, esta no es una cinta músical, es una historia de suspenso que se toma un tiempo (Tal vez demasiado) en arrancar, y aunque sirve para entender a la protagonista, para muchos podría volverse tediosa.

Pasando este desarrollo de personaje, y una vez que la cinta se decide a usar el suspenso no hay vuelta atrás, y se torna en un relato de suspenso y terror, donde el final no es muy claro, pero es efectivo.

Calificación: 3/5.

3. Patitos feos | Dir. Mauricio Chernovetzky | México | 2020 | 80 min

Sinopsis: 

Patitos Feos es una comedia surrealista sobre tres excéntricos hermanos chihuahuenses en sus cuarentas, que nunca han salido de su rancho. Chuy, Pepe y Abelardo viven con su abuela gringa, quien se la pasa recordando al amor de su vida y supuesto abuelo de ellos: José Doroteo Arango Arámbula, mejor conocido como Pancho Villa. En una noche de eclipse lunar, después de entretener a su abuela con canciones de la Revolución Mexicana, los tres hermanos entran a un temazcal donde comparten una visión que los inspira a buscar la cabeza perdida de su abuelo.

Acompañados de su única yegua, los hermanos se aventuran al mundo, donde se encuentran con todo tipo de extrañezas.

Si, yo tampoco entiendo qué hace una comedia en un festival de cine de terror, pero le dí una oportunidad, y vaya que me arrepiento de ello.

Patitos Feos intenta en todo momento se una cinta cómica, y su premisa es interesante, la idea de hombres vestidos de caudillos revolucionarios llegando a una ciudad moderna daba para mucho más, pero se pierde en su intento por darle un giro a las cosas. Al final terminan pareciendo un montón de sketches sin contexto en una trama más grande, y el absurdo al que llega se termina volviendo molesto.

Al final la cinta falla en sus actuaciones, en su historia, en su desarrollo y finalmente en dar risa. Sea cuál sea la intención del director, y a pesar de su gran fotografía, su pelicula se pierde en un mar de absurdos que ni siquiera bastan para calificarla como surrealista.

Calificación: 1/5

4. Hawk And Rev: Vampire Slayer | Dir. Ryan Bartón-Grimley | United States | 2020 | 84 min

Sinopsis: 

Philip “HAWK” Hawkins no sueña solo con matar vampiros… ¡También lo come, sueña bebe y respira! Después de ser despedido del ejército, Hawk casi muere de aburrimiento al trabajar como guardia de seguridad en un estacionamiento en su pueblo natal: Santa Muerte, California, Estados Unidos. Cuando parece que todas sus opciones de vida han expirado, se aparecen unos malditos vampiros y por supuesto… ¡Nadie le cree! Con todo en contra, su banda sudada de karate y unas hordas de vampiros asesinos hambrientos de sangre acechándolo, Hawk se enlista con la ayuda de la única persona que le cree, Revson “REV” McCabe, un jardinero pacifista vegano. ¡Juntos unirán fuerzas para salvar a todo el maldito mundo!... O al menos su pueblo natal.

¿Alguna vez han visto cintas ochenteras de terror? ¿Esas donde la lógica saltaba por la ventana en favor del entretenimiento?

Hawk y Rev es justo eso, una comedia de terror disparatada que nunca pretende más de lo que es. Una cinta cuyos giros son simplemente para hacer reír, para que veas como un absoluto inadaptado que delira con vampiros se enfrenta a lo desconocido. Y mientras que el presupuesto se nota escaso muy seguido y algunas veces el humor queda fuera de lugar, viendo esta película te asrgas de tener un momento muy grato.

Y ahora se preguntarán, ¿Por qué hablo tan bien de esta y no de la anterior? Y es simple: Porque los personajes aqui tienen motivos aún entre toda la comedia ilógica que desprende. Realmente entiendes a Hawk y te encariñas con Rev, y el estilo del director (Que recuerda al de Edgar Wright) vuelve a esta una especie de Shaun of the Dead más loca, con vampiros y muchas risas.

Calificación: 3½/5

5. Killer Concept | Dir. Glenn Payne | Estados Unidos | 2021 | 80 min

Sinopsis:

Tres creativos se unieron para escribir un guion sobre un hilo de muertes en su comunidad, pero uno de ellos es más cercano a la historia de lo que los otros pudieran imaginar.

Se trata de una película experimental realizada durante el confinamiento por Covid con un equipo de cinco personas, sin guion, diálogos improvisados y 900 dólares.

Hay algo que muchas peliculas de bajo presupuesto intentan y no logran: Dar verdadera sensación de suspenso.

Killer Concept jugó con absolutamente todo en contra. Se filmó con un presupuesto bajísimo, con muy pocas personas, sin un guión y en medio de la pandemia. Prácticamente como una cinta de cualquier joven que sueña con una carrera en el medio. Y para sorpresa de todos, toma todas esas desventajas y logra volverlas puntos a favor.

Las improvisaciones son muy buenas, y el trío actoral demuestra que (Tal vez con unas cuantas clases) podrían tener futuro en el cine. Su uso del suspenso es muy efectivo y aunque en ocasiones siguen notandose la baja calidad y las conveniencias de la trama, esta película tiene su fuerte en la fotografía.

Su uso de las perspectivas es increíble, y aprovecha que las locaciones estaban vacías por el confinamiento para mostrar a un asesino que parece estar en todas partes. Killer Concept no necesita de jumpscares para asustar, solo mostrar que algo está ahí, detrás de ti, debajo de cualquier lugar, o tal vez esperando a que des la vuelta para atraparte.

Una gran película y una obligación para jóvenes cineastas, que pueden encontrar en ella una inspiración para no dejarse vencer por los obstáculos 

Calificación: 4½/5

6. Playdurizm | Dir. Gem Deger | República Checa | 2020 | 88 min

Sinopsis: 

Cuando un adolescente se encuentra atrapado en una realidad glitchy-glitzy con su ídolo cinematográfico, hace todo lo posible para ser poseído por este hombre e ignora las violentas pistas de cómo llegó ahí.

Desde el póster sabes que hay algo muy extraño rodeando a esta cinta checa. Algo en la realidad en que nuestro joven protagonista despierta sin recuerdos te grita que algo no está bien, y no es solo el hecho de que algunos objetos y personas hacen glitch ocasionalmente.

A través de flashbacks enmarcados en estática te vas dando cuenta de que es peor de lo que parece, y gracias a muy buenos efectos visuales, y a lo perturbadora que se va volviendo te va a dejar indeciso entre si dejar de verla o llegar hasta el fondo del misterio.

Y Playdurizm tiene un misterio que te golpea con su resolución, con su crudeza y lo gráfico que es. Puede que su protagonista no sea el mejor actor, cosa que realmente le resta mucho a la película, ya que toda depende de él, y puede que también dure más de lo que debería, alargandose un poco de más. Pero esta cinta es una obligada del festival, no solo por como aprovecha sus recursos, sino por su capacidad para perturbar al espectador, capacidad innata que irá aumentando hasta llegar a una gran conclusión, donde no sabrás si la amas o la odias, pero que definitivamente dará mucho de qué hablar.

Calificación: 3/5

7. Nocturna lado A: La noche del hombre grande | Dir. Gonzalo Calzada | Argentina | 2021 | 104 min

Sinopsis: 

Ulises es un hombre de casi cien años, vive solo y está al borde de la muerte. En esta última noche de su vida experimentará un hecho que lo obligará a replantear su pasado, su presente y su mirada sobre la realidad en la que cree vivir. Torturado por remordimientos de culpa, confundido por su demencia senil, deberá hacer un último esfuerzo por llegar a su muerte en libertad o transformarse en un alma en pena en eterno retorno.

La primera de dos partes de una cinta argentina de terror. Pepe Soriano carga con todo el peso de la trama con una actuación imponente. Sufres con él, te aterras por sus reacciones, y te conmueven las resoluciones a las que llega. Todo dentro de una película de fantasmas, con un espectro que vuelve una y otra vez, en un intento de (Aparentemente) atormentar a nuestro protagonista en la que parece ser su última noche. Llegar al fondo de lo que ocurre podría darle la clave para irse en paz.

La película usa todo lo que tiene para darte una sensación de locura, para que sientas que Ulises está desvariando, pero su propósito real es que entiendas el arrepentimiento, que te dés cuenta de que hay que cerrar todos nuestros asuntos antes de que sea tarde, y aunque la película se vuelve repetitiva cerca del final, su propósito se cumple de forma magnífica. Sin duda una película que volvería a ver sin dudarlo.

Calificación: 4½/5

8. Nocturna lado B: Donde los elefantes van a morir | Dir. Gonzalo Calzada | Argentina | 2021 | 67 min

Sinopsis: 

Nocturna II es una película independiente de corte experimental, filmada en celuloide (16 y Super 8). Un viaje sensorial, donde las imágenes se suceden como formas del pensamiento y de los sentidos a través de sonidos, voces y música.

Lo puntos de conexión entre ambas son la historia, sus personajes y la fragmentación de tiempo en las hora de una noche.

Después de una primera parte increíble, el Lado B de Nocturna sirve más como un complemento. La historia es exactamente la misma, pero la forma de narrarla es la diferencia. Aquí la cinta se vale de flashbacks filmados con cámaras antiguas intercaladas en la trama, y más que darle atención a los diálogos o a repetir la película, esta decide cambiar, y a través de música, de imágenes que parecen no tener lugar en el metraje y de narraciones por algunos personajes, vamos entendiendo mejor que es lo que pasó, y como reaccionaron ante la trama del Lado A.

Pese a que es un gran complemento, Nocturna Lado B depende totalmente de que hayas visto la primera, no tiene sentido por si sola, a diferencia del Lado A, que se entiende perfectamente sin esta. Aún así es una gran experiencia, y vale la pena ver ambas cintas.

Calificación: 3/5

9. Mírame | Dir. Pavel Cantú | México | 2020 | 96 min

Sinopsis: 

Lalo es un adolescente atormentado por la muerte reciente de su padre y ha tenido que mudarse a la vieja casa de su abuela Elena. Después de que toma el viejo reloj de su padre, el fantasma de una joven comienza a acosarlo. La vida de Lalo empieza a correr peligro cuando trata de averiguar quien es la misteriosa fantasma que lo aterroriza.

Que gusto da ver una buena película de terror mexicana.

Mírame es una película que desde su comienzo provoca escalofríos, con locaciones sombrías y tonos deprimentes. Aquí nos adentramos en el mundo de Lalo, y de como a partir de que toma el reloj de su papá comienza a ser acechado por una fantasma. Sus apariciones son sorpresivas con un excelente trabajo de maquillaje y efectos, y no necesita jumpscares (Aunque usa algunos).

El misterio se vuelve el punto que fortalece la amistad entre Lalo y su amiga Rana (Interpretada por Regina Reynoso, la mejor actriz de la película), quienes poco a poco van a ir revelando al espectador algo turbio detrás de una desaparición misteriosa.

Tal vez muchas situaciones se han visto en otras películas, pero Pavel Cantú está consciente de ello y no deja de mostrar giros, de revelar cosas nuevas y de mantener en vilo al espectador, todo rumbo a un final donde se aprovecha la mística que rodea a Xochimilco, y un secreto que cambia vidas.

Si, que gusto ver películas como está.

Calificación: 4½/5

10. Operation Luchador | Dir. Alain Vézina | Canadá | 2021 | 85 min

Sinopsis: 

Durante la Segunda Guerra Mundial, el Servicio Secreto Aliado reclutó a un luchador mexicano llamado el Ángel Dorado como agente encubierto. Archivos secretos recién descubiertos revelaron que este agente logró frustrar planes importantes que pudieron haber cambiado el curso del conflicto en favor de los Nazis. Este documental es una crónica de las misiones del Ángel Dorado y de cómo enfrentó a Hitler en persona.

Si alguna vez vieron peliculas de El Santo de seguro esta película les traerá mucha nostalgia. Un documental cómico sobre un supuesto luchador mexicano que combatió a los nazis solo con su ingenio y su poder de seducción, además de sus habilidades en el ring.

A lo largo de casi una hora y media, los entrevistados en este mockumental se encargan de exagerar más y más las situaciones, mientras que el narrador nos va contando una historia tan increíble que solo quieres saber más. Con homenajes a James Bond incluidos, esta cinta está hecha para provocar risas y las consigue. A veces se siente ya muy exagerada, como el cine al que homenajes, y aunque pudo haber funcionado mil veces mejor como un cortometraje, llega al punto.

Su idea es presentar a un héroe como en el que el cine de oro logró con el ahora inmortal Rodolfo Guzmán Huerta, cosa que logra completamente. De seguro al terminarla querrás revisitar las películas clásicas de luchadores.

11. Benny Loves You | Dir. Karl Holt | Reino Unido | 2020 | 94 min

Sinopsis: 

Después de la muerte accidental de sus padres, Jack tiene que vender el hogar familiar y comenzar una nueva vida. Mientras limpia la casa, Jack se deshace de sus pertenencias incluyendo su amado compañero de la infancia, Benny. La decisión se torna mortal cuando Benny regresa a la vida con solo un objetivo en su mente, ¡Proteger a Jack a toda costa!

 Imagínate a Chucky entrando al mundo de la comedia (Y no, no existe algo llamado "El Hijo de Chucky") mientras mantiene su terrorífica esencia. El oso (O al menos la película insiste en qué es un oso) Benny es el resultado.

Con un prólogo bastante aterrador, que va poniendo al espectador a tono con la premisa, conocemos a Jack, un hombre que descubre que tirar a tu peluche favorito a la basura puede convertirse en el peor error de tu vida. Las actuaciones son bastante ridículas la mayoría del tiempo, cosa que llega a dar pena en lugar de risa, pero las situaciones son tan disparatadas que te ríes, te da miedo lo que Benny puede llegar a hacer, y su voz va a resonar en tu cabeza al terminar.

El "oso" asesino es de verdad muy sádico, y aunque da ternura verlo moverse, y llega a conmoverte muy seguido, vas a pasar gran parte de la película temblando, prueba de lo bien hecha que está esta historia.

Eso sí, puede que después de esta aventura no vayas a querer tirar nunca a tu juguete favorito.

Calificación: 4/5

El Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México estará del 19 al 29 de Agosto en el circuito cultural de la CDMX y a través de sedes digitales para toda la república. Denle una oportunidad a la programación,de verdad no se van a arrepentir.

#MacabroXX

The Dark Knight: La dualidad del hombre murciélago

 

Cuando se habla de las tres mejores películas de superhéroes de la historia, las opciones son muy claras. Spider-Man 2 de Sam Raimi está ahí, y Logan de James Mangold es una obligada, pero la otra, aún si los tops son diferentes por persona siempre es El Caballero de la Noche de Christopher Nolan.

¿Pero por qué a 13 años de su estreno sigue liderando el género? ¿Por qué se dice que marcó un antes y un después en el género de las capas?

Pero para entender esto, primero hay que viajar hacia atrás, al lejano 2003, cuando Warner Bros tuvo la idea de tratar de rescatar a Batman de dónde Joel Schumacher lo había dejado en 1997. Tim Burton había hecho un trabajo excelente devolviéndole la credibilidad a Batman en pantalla, pero pleitos con McDonald's hicieron que se hundiera nuevamente en un mar de comedia absurda, lo que enterró la franquicia. Para Warner solo había una opción, y era el británico Christopher Nolan.

Hasta ese momento, la única cinta reconocida del cineasta era Memento, pero era suficiente argumento para entender la seriedad que le imprime a cada proyecto, y la intención era no mostrar tanto al héroe, sino lo que lo había formado y el experimento llamado Batman Inicia fue un éxito, recaudando 374.2 millones de dólares, con lo que la secuela era inminente, pero nadie estaba listo para lo que vendría.

En Abril de 2007 comenzó el rodaje de esta secuela, con la idea de explorar el hecho de que es la presencia del héroe lo que crea el surgimiento de la locura, en palabras de Christopher Nolan:

"Cuando miramos a través de los cómics, apareció esta idea fascinante de que la presencia de Batman en Gótica realmente atrae a los criminales a ella, atrae locura. Cuando se lidia con conceptos cuestionables como gente que haga justicia por mano propia, hay que preguntarse, ¿a dónde lleva eso? Eso es lo que hace al personaje tan oscuro, porque expresa un deseo de venganza."

Christian Bale volvía como Bruce Wayne luego de haber callado a sus críticos en 2005. Morgan Freeman, Gary Oldman y Michael Caine volvían como Lucius Fox, Jim Gordon y Alfred Pennyworth respectivamente, y Maggie Gyllenhaal reemplazaba a Katie Holmes en el rol de Rachel, el único personaje creado para Batman Inicia (Holmes había preferido en su lugar actuar en Mad Money).

Además de ellos, la película incluyó a dos nuevos rostros principales a su elenco, Aaron Eckhart como Harvey Dent y un nombre que se volvería leyenda: Heath Ledger, elegido para interpretar a Joker.

La trama superficialmente es simple, Batman, Gordon y Dent han conseguido bajar la tasa de criminalidad en Ciudad Gótica, pero sus esfuerzos se van a ver superados por un nuevo criminal, un hombre sin métodos definidos, pero que siempre parece estar un paso adelante de todos, un villano conocido como Joker.

Pero más allá de eso, la cinta explota otra perspectiva, la de la dualidad. Todo el tiempo, durante los 153 minutos que dura la cinta seremos testigos de un juego entre la luz y la oscuridad, y eso nos golpea desde el principio, luego de que Joker hace su primer golpe. Harvey Dent nos es presentado como el "Caballero Blanco", un hombre recto y que se guía por la legalidad, en contrario a Batman, quien literalmente es un caballero oscuro cuyos métodos no son del todo aceptados, pero son efectivos.

La dualidad no termina ahí, sino que continúa en la siguiente escena, con el trabajo de Batman entorpecido por un imitador. La idea de que un personaje así exista crea temor en los criminales, pero a la vez está inspirando a la gente a ponerse en riesgo, lo que a su vez dificulta la labor del héroe.

Con el crimen organizándose para esconder su dinero en Hong Kong, Joker aparece y les ofrece matar a Batman asegurandoles que sabe que Lau, responsable de cuidar todo el efectivo no va a durar mucho tiempo libre. Joker y Batman saben qué va a pasar, y mientras uno lo va a usar para su beneficio, el otro lo hará para facilitar los arrestos de la mafia, en una secuencia totalmente filmada en IMAX y con las explosiones en tiempo real, el plan de estos dos personajes se cumple, con Lau de regreso en la ciudad y los criminales aceptando a Joker como su nuevo jefe.

Luego de abordar más en el romance entre Rachel y Harvey y como este afecta a Bruce, el plan de Joker comienza, eliminando a personas seleccionadas sin que Batman pueda hacer algo para salvarlos (Excepto por Dent), y después de amenazar a la ciudad con asesinar gente por cada día que el enmascarado no revele su identidad, después de todo, Batman es un símbolo y no se necesita matarlo, solo reducirlo a un hombre.

Dent decide revelarse a si mismo como el héroe y eso conlleva a una persecución impresionante, para la que Nolan volcó un camión real en las calles de Chicago, el segundo encuentro entre el héroe y el villano termina con el segundo finalmente detenido y con una cámara IMAX destruida por accidente, una de las cuatro que existían en esa época.

Cuando parece que las cosas están mejorando, ¡Sorpresa! Todo es plan de Joker, y Rachel desaparece junto con Harvey, llevando a la escena del interrogatorio, donde héroe y villano se confrontan, así como sus ideologías.

Esta escena no solo sirve para revelar dónde se encuentran los desaparecidos, sino que sirve para exponer otra dualidad: La de dos sujetos que están de lados opuestos pero que no harán nada para eliminar al otro. Batman por su código moral y Joker porque cree que los actos que realiza complementan a los del enmascarado, al estilo de Unbreakable, donde Mr. Glass hace su plan esperando que exista alguien que pruebe que tiene un propósito.

El plan de Joker tiene éxito, Rachel muere y Harvey queda desfigurado, una vez más el hombre del maquillaje volvió a engañar a la ley y logró escapar de prisión para su siguiente golpe, uno que requiere una distracción.

La perdida de Rachel termina por quebrar a Dent, quien finalmente, y empujado por Joker, termina convirtiéndose en Two-Face, representando la dualidad que toda la película nos ha planteado, y tras ocasionar algunas muertes, y luego de que Batman detiene a Joker en una escena increíble y llena de suspenso al poner a los tripulantes de dos barcos a decidir si viven o mueren, llegamos a la conclusión de una cinta que nos ha llevado por la caída de Harvey Dent. El caballero blanco se ha convertido en un villano, y es el caballero oscuro quien debe detenerlo, aún quebrado por perder a la mujer que amaba.

En este punto nos queda claro que el viaje de la cinta nunca se trató de Joker

Él solo fue una pieza clave, que con su sola existencia alteró el juego, llevando a Batman y a Harvey a lo más bajo, haciéndolos perder lo que más querían, a una persona y un símbolo degradados por sus propias acciones al tratar de oponerse a un tercero, y el conflicto final es entre ellos.

Two-Face secuestra a la familia de Gordon, y al salvarla, Bruce descubre después de derrotarlo, que la única forma de hacer valer la ley es aceptando la culpa de todo lo que hizo Dent, convirtiéndose en un criminal.

Al final Joker gana, mató al símbolo, y nos presentó la dualidad final de la cinta: El héroe que salvó el día se llevará toda la culpa y será perseguido, mientras que un asesino será visto como un mártir y será honrado por la ciudad.

Y así Batman se convertirá en algo más grande, en un auténtico caballero de la noche.

The Dark Knight fue un éxito impresionante en 2008. Fue la primera película basada en cómics en superar los mil millones de dólares en taquilla, consiguió ocho nominaciones al Oscar, de las que ganó dos, y es considerada como la mejor película de superhéroes de la historia. Cumplió con darle seriedad a Batman de una forma más impresionante que Batman Inicia y terminó de encumbrar la leyenda de Heath Ledger, quien falleció de una sobredosis en Enero de 2008, en un acto que muchos aseguran que fue a causa de lo que conllevó hacer tan bien a Joker, sin duda la versión definitiva del personaje.

A 13 años de su estreno, The Dark Knight está donde está porque si Superman de 1978 nos hizo creer que un hombre podía volar, lo que Nolan, Bale y Ledger hicieron nos mostró lo crudo que es ser un hombre de ley en este mundo, nos hizo creer que Batman puede ser real y nos aterra al mostrarnos lo cerca que el mundo está de enloquecer, pues la locura es como la gravedad...

... Solo hace falta un pequeño empujón.

La Purga por Siempre - Reseña

 

Título original: The Forever Purge

Director: Everardo Gout

País: Estados Unidos

Año: 2020

Fecha de estreno: 1 de Julio de 2021

Imagina un país donde el crimen no existe, uno donde el hambre y la pobreza han sido prácticamente erradicados, suena bien, ¿No?

Ahora imagina que el único costo para lograr esto fuera que por una noche al año absolutamente todo fuera legal, incluyendo el asesinato. Supongo que no parece tan buena idea después de todo, ¿No lo creen?

Hay franquicias que comienzan con una película buena y se caen totalmente, hay otras que empiezan con una mala y mejoran, otras donde empiezan con una buena y se mantienen ahí, y después está la franquicia de The Purge, cuatro peliculas donde ni una sola es buena, todas las cintas se pierden en lo que tratan de decir en favor de los trajes vistosos y totalmente imprácticos en una noche de crimen, y lo que es peor, cintas que asumen que absolutamente todos los que salen van a matar, como si no hubiera más que hacer, y al día siguiente todos vuelven en paz. Literalmente 12 horas sin consecuencias.

Y entonces llega Everardo Gout a la mezcla. Luego de haber visto la Purga desde el punto de vista de una familia en The Purge, ver una ciudad reaccionando a este "festejo" en The Purge: Anarchy, la reacción del gobierno y la oposición a este en The Purge: Election Year y el inicio de esta como una actividad meramente racial en The First Purge, llega la quinta entrega, apropiadamente llamada The Forever Purge.

¿Pero cómo seguir luego de que en la tercera cinta dicha actividad fue cancelada?

Esta nueva cinta ocurre tiempo después de la tercera. De alguna forma que no se molestan en contarnos, los Nuevos Padres Fundadores de América volvieron al poder, y su primer decreto fue reinstaurar la depuración anual, la gente está dispuesta a seguir con la tradición y se nos ubica a unas horas del inicio.

Juan (Tenoch Huerta)  y Adela (Ana de la Reguera) son una pareja de migrantes que llegaron a Estados Unidos diez meses antes de la purga, y en el presente siguen acostumbrándose a su nuevo entorno, con ambos escalando posiciones en sus respectivos trabajos pese al fuerte racismo presente en Texas. La noche llega y debido a que serían de los primeros en ser asesinados, los inmigrantes se esconden durante la festividad. La mañana llega y finalmente pueden ser libres... O eso parece.

La tranquilidad post-purga se acaba ese mismo día, ya que un grupo extremista aparece, y empeñados en limpiar de una vez por todas a Estados Unidos, anuncian que la depuración continuará por siempre. Es entonces que Juan, Adela, un amigo suyo llamado T.T, y un compañero de trabajo del primero junto con su familia deberán recorrer la ciudad que está hundida en el caos, con el fin de llegar a México, que ha decidido abrir sus fronteras por unas horas para cualquier persona que desee huir de la violencia.

De entrada hablemos de la fotografía. Por fin hay una cinta que decide explotar al máximo la idea de una ciudad cayendo ante la locura, además de aprovechar los paisajes desérticos y los pueblos pequeños, las tomas amplias ayudan a dimensionar la gravedad del asunto y nos dan postales que son a la vez hermosas y aterradoras.

Las actuaciones son lo buenas que pueden llegar a ser en esta franquicia, con Tenoch Huerta demostrando porque lo siguen contratando en producciones de este calibre y con Ana de la Reguera robándose la cinta, haciendo comentarios sobre la situación en México y con un trasfondo que se siente real detrás del porqué tuvieron que migrar. El cast de apoyo funciona muy bien, principalmente Alejandro Edda como T.T y Josh Lucas como Dylan, el compañero de Juan que busca poner a salvo a su familia, mientras expone las diferencias entre mexicanos y estadounidenses.

Con una banda sonora tensa, y un ambiente que cada vez se va cerrando más, estamos hablando de la película más intensa de toda la saga, la violencia que vemos, y esa de la que solo nos enteramos por los noticieros y la radio se unen para hacer ver a la audiencia que no, definitivamente hay cosas que no debieron pasar, y todas están estallando a la vez.

El guión es otro tema, y es que al anunciarse que esta película no iba a seguir la regla de que todo es legal por 12 horas, fui escéptico al respecto, ya que ¿Cómo puede funcionar una cinta de esta saga si le quitas lo único que la hacía diferente al resto? Fuera de los trajes estrafalarios y las máscaras, siempre estaba la certeza de que al final de la noche una sirena anunciaría el fin de todo.

Y a pesar de esto, y de tener la gran mayoría de las falencias de sus predecesoras (Escenas imposibles, trajes absurdos, clichés de todo tipo y jumpscares como la máxima regla de su ejecución), esta nueva entrega sabe contar lo que quiere. Aquí no solo hablamos de la escalada de violencia, o de las condiciones discriminatorias para los migrantes, no solo se muestra lo fácil que se consigue un arma en el vecino del norte, sino que las cuenta todas en diferentes grados y hay un tema bastante importante que ninguna otra cinta abordó.

Hay una escena bastante simbólica que representa el mensaje de la película y está casi al inicio, donde vemos a la gente volver a las calles mientras un coyote se alimenta y un equipo especialista limpia las calles. La Purga por Siempre trata de consecuencias.

Por años la saga nos hizo ver qué soltar la violencia por una noche era la respuesta, la clave a los problemas del país, de ahí que muchos fans de la franquicia pensaran que es buena idea implementarla (Asumiendo que realmente lograran sobrevivir a algo así), todo por culpa de una historia que siempre decía lo mismo.

Y no es así, los ciclos de violencia no se pueden detener avivandolos, la violencia solo engendra más violencia, y aunque el viaje de Juan y Adela no es perfecto, a pesar de cometer los errores de las cintas que la preceden, finalmente nos lo dice. Toda acción tiene consecuencias, y cuando la cinta cierra, será el único mensaje que sobreviva. Tal vez el único mensaje que vale la pena de las cinco peliculas de esta saga.

Después de cuatro peliculas que nos contaron básicamente lo mismo, esta quinta entrega se toma la molestia de hablarnos en otro tono, y sobre algo importante. No es una película perfecta, pero es en definitiva la mejor de su saga, en parte gracias a la dirección y protagonistas, y principalmente gracias a su mensaje.

Calificación: 7.5/10